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Underworld - Everything, Everything 地底世界樂團 / 現場演出專輯(2000)


Underworld / Live; Everything, Everything
地底世界樂團 / 現場演出專輯(2000)

電音紀元48
90年代風靡全球Techno潮流的領導性指標樂團
入主歐陸電音名人堂的「神」字輩團體之一
靈魂人物Darren Emerson於千禧年離團前的告別演出紀念

將"地底世界"樂團(Underworld),重新打造成Techno樂風領導性指標的 靈魂人物Darren Emerson於千禧年的離團,是否意味著Underworld縱橫 歐陸電音舞曲界近十年的豐功偉業,即將在此張結合音樂、影像、數位多媒體 科技等,不同型式呈現的"現場演出專輯"(Live; Everything, Everything) 發行之後,劃下一個燦爛、卻又令人錯愕的句號?

喜愛電子音樂的你(妳)們,是不是又知道,主唱Karl Hyde、與吉他手 Rick Smith在1988年、於英國倫敦集結Underworld時,竟是一個以 "工業放克"(Industrial-punk) 樂風為導向的電子音樂雙人組合!甚至, 在兩張不很成功的專輯發行後,還失去蹤影一段時間。直到他們決定轉型、 並與當時就已經小有名氣的DJ戴倫•愛默生合作;大家所熟知的 頂級電音團體Underworld,才正式架構出創作的黃金三角?

被譽為:「Primal Scream完美專輯Screamadelica出現以來的最佳電音作品、與繼The Stone Roses首張同名經典大碟發行後唯一足以匹敵之Debut album」 的93年重組第一張專輯Dubnobasswithheadman,並未讓他們真正享受到走紅 的滋味!再度沉沉浮浮又三年,幸虧蘇格蘭籍導演Irvine Welsh慧眼識英雄,
讓他們參與描寫英倫慘綠青年生涯電影"猜火車"(Transpottiong) 的配樂製作、 並貢獻出單曲Born Slippy的激爆混音版本Born Slippy Nuxx。隨著本片在 全世界的嗆紅、並替電子音樂拉出一條漲停鎖住長紅線之同時;Underworld 這個名字,才算是被晚來的商業肯定,以天王級團體的身分、入主 歐陸電音名人堂。

更不要說到那些大大小小、已經讓全世界數以千萬計的電音愛好者為之瘋狂的無數現場表演!相信不相信我呢?至少,這張收錄Underworld重組九年來、 所發行三張專輯裡、八首曾經撼動全球千百萬人舞躍細胞的超優秀電音曲目之現場演出專輯:Live; Everything, Everything,竟然能夠以CD、VHS、及DVD三種影音型式發行!就光這點,說Underworld是電音界的"神"字輩樂團之一,絕對不為過。

當然,你(妳)們絕對可以懷疑我對Underworld的恭維;就如Darren Emerson 決定友善離團後,在英倫樂界所引起的震撼、與對Underworld未來音樂走向的不安。只是,請先品嚐完這張專輯、或是聽到Karl Hyde、與Rick Smith 的最新創作,再下結論吧!Darren Emerson的溫馨小家、可是與Underworld 的錄音室,坐落於同一條大街上!


引用來源©http://www.music543.com/phpBB2/viewtopic.php?t=58982

Underworld / Live; Everything, Everything
地底世界樂團 / 現場演出專輯(2000)

電音紀元48
90年代風靡全球Techno潮流的領導性指標樂團
入主歐陸電音名人堂的「神」字輩團體之一
靈魂人物Darren Emerson於千禧年離團前的告別演出紀念

將"地底世界"樂團(Underworld),重新打造成Techno樂風領導性指標的 靈魂人物Darren Emerson於千禧年的離團,是否意味著Underworld縱橫 歐陸電音舞曲界近十年的豐功偉業,即將在此張結合音樂、影像、數位多媒體 科技等,不同型式呈現的"現場演出專輯"(Live; Everything, Everything) 發行之後,劃下一個燦爛、卻又令人錯愕的句號?

喜愛電子音樂的你(妳)們,是不是又知道,主唱Karl Hyde、與吉他手 Rick Smith在1988年、於英國倫敦集結Underworld時,竟是一個以 "工業放克"(Industrial-punk) 樂風為導向的電子音樂雙人組合!甚至, 在兩張不很成功的專輯發行後,還失去蹤影一段時間。直到他們決定轉型、 並與當時就已經小有名氣的DJ戴倫•愛默生合作;大家所熟知的 頂級電音團體Underworld,才正式架構出創作的黃金三角?

被譽為:「Primal Scream完美專輯Screamadelica出現以來的最佳電音作品、與繼The Stone Roses首張同名經典大碟發行後唯一足以匹敵之Debut album」 的93年重組第一張專輯Dubnobasswithheadman,並未讓他們真正享受到走紅 的滋味!再度沉沉浮浮又三年,幸虧蘇格蘭籍導演Irvine Welsh慧眼識英雄,
讓他們參與描寫英倫慘綠青年生涯電影"猜火車"(Transpottiong) 的配樂製作、 並貢獻出單曲Born Slippy的激爆混音版本Born Slippy Nuxx。隨著本片在 全世界的嗆紅、並替電子音樂拉出一條漲停鎖住長紅線之同時;Underworld 這個名字,才算是被晚來的商業肯定,以天王級團體的身分、入主 歐陸電音名人堂。

更不要說到那些大大小小、已經讓全世界數以千萬計的電音愛好者為之瘋狂的無數現場表演!相信不相信我呢?至少,這張收錄Underworld重組九年來、 所發行三張專輯裡、八首曾經撼動全球千百萬人舞躍細胞的超優秀電音曲目之現場演出專輯:Live; Everything, Everything,竟然能夠以CD、VHS、及DVD三種影音型式發行!就光這點,說Underworld是電音界的"神"字輩樂團之一,絕對不為過。

當然,你(妳)們絕對可以懷疑我對Underworld的恭維;就如Darren Emerson 決定友善離團後,在英倫樂界所引起的震撼、與對Underworld未來音樂走向的不安。只是,請先品嚐完這張專輯、或是聽到Karl Hyde、與Rick Smith 的最新創作,再下結論吧!Darren Emerson的溫馨小家、可是與Underworld 的錄音室,坐落於同一條大街上!


引用來源©http://www.music543.com/phpBB2/viewtopic.php?t=58982

[延伸閱讀] 1999那一夜,我在地底世界裡著了魔 by DJ Mykal a.k.a. 林哲儀

1999那一夜,我在地底世界裡著了魔
by DJ Mykal a.k.a. 林哲儀

對許多電子舞曲樂迷來說,"Underworld"與"Born Slippy"幾乎是密不可分的同義詞。

無可否認,Underworld巨星地位的確定,的確是拜"Born Slippy NUXX"一曲的走紅。搭上了電影「猜火車」,"Born Slippy NUXX"當時在英國賣出70萬張並衝上排行亞軍,全球單曲銷售量更超過100萬,也因此Mixmag雜誌還將"Born Slippy NUXX"比喻成Techno界的"Wonderwall" (Oasis的暢銷大合唱曲)!!!

不過重要的是,Underworld並不只是一個「One Hit Wonder」那麼簡單;今時今日提起Underworld這個名字,相信沒有人能否定他們當年接連兩張專輯「Dubnobasswithmyheadman」與「Second Toughest In The Infants」展現的前瞻性破格意念,之於近二十年來電子舞曲發展所彰顯的指標意義。還記得早在Chemical Brothers與The Prodigy風起雲湧的1996、1997年之前,便已有樂評指出「Dubnobasswithmyheadman」宣告了搖滾樂的死亡! 甚至Big Beat紅人Fatboy Slim當年接受日本Crossbeat雜誌訪問時表示,都曾標示過是因為聽Underworld的"Rez"才迷上Dance Music;而U2、David Bowie兩大搖滾巨擘,亦曾坦言他們在九十年代中葉之前一頭栽進電子舞曲與搖滾樂互融的折衷創作模式中,是受到Underworld極大的影響。

而對我來說,打從1993年首度聽到"Rez"驚為天人並深愛上Underworld首張專輯「Dubnobasswithmyheadman」開始,可以肯定Underworld就是影響自己一頭栽進電子舞曲領域的重要名字之一。所以在1999年時,Underworld隨著第三張專輯「Beaucoup Fish」展開世界巡迴而來到鄰近的日本時,自己便毫不猶豫地動身前往,甚至還連續兩天奔波大阪與東京兩地,親身參與了兩場Underworld的現場演出;重要的是,當時的Underworld還是三位一體的完整陣容。

回顧當時雖然整個Live Tour是配合著「Beaucoup Fish」專輯的發行,但卻沒有因此而完全成為以宣傳為重的演出;除了表演"Push Upstairs"、"Jumbo"、"Shudder/King Of Snake"、"Kittens"、"Something Like A Mama"等來自「Beaucoup Fish」的作品外,更讓我感到興奮的是能現場聽到"Mmm…Skycraper I Love You"、"Cowgirl"、"Blueski"、"Rez"、"Pearl's Girl" (但東京Liquid Room那場的曲目並未包括此曲)這些來自首兩張專輯的歌曲。當然,現場中隨著歌曲進行而在舞台後方播放之由Tomato團隊(Karl Hyde和Rick Smith為其中成員的實驗性綜合藝術Project)所製作的視覺影像,亦是當晚的重要綠葉之一,與歌曲的氣氛達到相輔相承的效果。

特別要提的是,我想Underworld現場演出的精彩之處,除了Rick Smith與Darren Emerson能在原本設定好的Programming之外,根據現場的氣氛而即席地作好曲目的編排更動(大阪與東京兩場演出的Rundown便有明顯的不同),更重要的,是他們擁有Karl Hyde這位極具魅力的主唱;這兩樣特質,無疑都使得Underworld的現場演出比一般電子組合更為人性化。在舞台上,Karl Hyde相當活躍,整個人的情緒一直維持在一個相當Natural High的狀態;更令人佩服的是,縱橫全場邊唱邊跳的Karl,竟然極少發生走音或喘得上氣不接下氣的狀況!

而我自己永難忘懷的,是Liquid Room當晚演出的最高潮。
這波高潮毫無疑問地是當「猜火車」片尾曲"Born Slippy NUXX"這首Techno國歌出現的時刻! 雖然Underworld已將原曲的節奏部份做了小幅的Re-Edit/Remix更動,但台下爆滿觀眾的高昂情緒絲毫不受影響,跟著高唱"Larger! Larger !Larger! ";全場不僅都跟著重擊Techno節拍猛力跳動(隱約可以感覺到地板亦隨之震動),甚至還High到有人乾脆玩起在搖滾樂演唱會中常見的Stagedive!!!令人喜出望外的是,Rick Smith與Darren Emerson更將DJ的Mixing/DJing概念融入,在"Born Slippy NUXX"之後冷不防地以Non-Stop的方式接上了另一首廣為人知的電影主題曲――「Batman & Robin」的"Moaner",此一橋段設計立即引起全場觀眾的驚聲尖叫,氣氛可說是完全陷入了一種無法控制的瘋狂狀態中。

1999年那一夜,我徹底在地底世界裡著了魔…………。
1999那一夜,我在地底世界裡著了魔
by DJ Mykal a.k.a. 林哲儀

對許多電子舞曲樂迷來說,"Underworld"與"Born Slippy"幾乎是密不可分的同義詞。

無可否認,Underworld巨星地位的確定,的確是拜"Born Slippy NUXX"一曲的走紅。搭上了電影「猜火車」,"Born Slippy NUXX"當時在英國賣出70萬張並衝上排行亞軍,全球單曲銷售量更超過100萬,也因此Mixmag雜誌還將"Born Slippy NUXX"比喻成Techno界的"Wonderwall" (Oasis的暢銷大合唱曲)!!!

不過重要的是,Underworld並不只是一個「One Hit Wonder」那麼簡單;今時今日提起Underworld這個名字,相信沒有人能否定他們當年接連兩張專輯「Dubnobasswithmyheadman」與「Second Toughest In The Infants」展現的前瞻性破格意念,之於近二十年來電子舞曲發展所彰顯的指標意義。還記得早在Chemical Brothers與The Prodigy風起雲湧的1996、1997年之前,便已有樂評指出「Dubnobasswithmyheadman」宣告了搖滾樂的死亡! 甚至Big Beat紅人Fatboy Slim當年接受日本Crossbeat雜誌訪問時表示,都曾標示過是因為聽Underworld的"Rez"才迷上Dance Music;而U2、David Bowie兩大搖滾巨擘,亦曾坦言他們在九十年代中葉之前一頭栽進電子舞曲與搖滾樂互融的折衷創作模式中,是受到Underworld極大的影響。

而對我來說,打從1993年首度聽到"Rez"驚為天人並深愛上Underworld首張專輯「Dubnobasswithmyheadman」開始,可以肯定Underworld就是影響自己一頭栽進電子舞曲領域的重要名字之一。所以在1999年時,Underworld隨著第三張專輯「Beaucoup Fish」展開世界巡迴而來到鄰近的日本時,自己便毫不猶豫地動身前往,甚至還連續兩天奔波大阪與東京兩地,親身參與了兩場Underworld的現場演出;重要的是,當時的Underworld還是三位一體的完整陣容。

回顧當時雖然整個Live Tour是配合著「Beaucoup Fish」專輯的發行,但卻沒有因此而完全成為以宣傳為重的演出;除了表演"Push Upstairs"、"Jumbo"、"Shudder/King Of Snake"、"Kittens"、"Something Like A Mama"等來自「Beaucoup Fish」的作品外,更讓我感到興奮的是能現場聽到"Mmm…Skycraper I Love You"、"Cowgirl"、"Blueski"、"Rez"、"Pearl's Girl" (但東京Liquid Room那場的曲目並未包括此曲)這些來自首兩張專輯的歌曲。當然,現場中隨著歌曲進行而在舞台後方播放之由Tomato團隊(Karl Hyde和Rick Smith為其中成員的實驗性綜合藝術Project)所製作的視覺影像,亦是當晚的重要綠葉之一,與歌曲的氣氛達到相輔相承的效果。

特別要提的是,我想Underworld現場演出的精彩之處,除了Rick Smith與Darren Emerson能在原本設定好的Programming之外,根據現場的氣氛而即席地作好曲目的編排更動(大阪與東京兩場演出的Rundown便有明顯的不同),更重要的,是他們擁有Karl Hyde這位極具魅力的主唱;這兩樣特質,無疑都使得Underworld的現場演出比一般電子組合更為人性化。在舞台上,Karl Hyde相當活躍,整個人的情緒一直維持在一個相當Natural High的狀態;更令人佩服的是,縱橫全場邊唱邊跳的Karl,竟然極少發生走音或喘得上氣不接下氣的狀況!

而我自己永難忘懷的,是Liquid Room當晚演出的最高潮。
這波高潮毫無疑問地是當「猜火車」片尾曲"Born Slippy NUXX"這首Techno國歌出現的時刻! 雖然Underworld已將原曲的節奏部份做了小幅的Re-Edit/Remix更動,但台下爆滿觀眾的高昂情緒絲毫不受影響,跟著高唱"Larger! Larger !Larger! ";全場不僅都跟著重擊Techno節拍猛力跳動(隱約可以感覺到地板亦隨之震動),甚至還High到有人乾脆玩起在搖滾樂演唱會中常見的Stagedive!!!令人喜出望外的是,Rick Smith與Darren Emerson更將DJ的Mixing/DJing概念融入,在"Born Slippy NUXX"之後冷不防地以Non-Stop的方式接上了另一首廣為人知的電影主題曲――「Batman & Robin」的"Moaner",此一橋段設計立即引起全場觀眾的驚聲尖叫,氣氛可說是完全陷入了一種無法控制的瘋狂狀態中。

1999年那一夜,我徹底在地底世界裡著了魔…………。

20080823|何穎怡的台北大耳朵 - 猜火車之怎麼還不老!


《猜火車》中譯本終於上市。


文/何穎怡
《猜火車》是我跟《裸體午餐》同一時間企劃的書,這兩天就上市了。我找了但唐謨翻譯,紀大偉審閱。全書都是蘇格蘭口音書寫,沒摸透蘇格蘭人發音的方式,看這本書就跟看天書一樣(套句現代語,就像讀火星文)。或許如此,才會「猜火車」電影已經紅了十四年,卻依然沒有中譯本。

相信多數人對「猜火車」電影的印象是男主角「伊旺」麥奎格為了搶救兩顆鴉片拴劑,不惜躍入蘇格蘭史上最恐怖的馬桶裡去撈。那一刻,全戲院的人尖叫。我不巧,正在吃壽司。

「猜火車」電影對藥物世代的描寫,以及鏡頭的掌握運用,都是「破天荒」的新,新到「伊旺」麥奎格對中下階級正常生活的質疑,成為一整個世代的流行語……

選擇生活,選擇工作,選擇初次購屋,選擇牙醫保險、休閒服飾、搭配的旅行箱。選擇未來。 但幹嘛要做這些選擇?尤其當你已經選擇了海洛因。

小說比電影,輻射角度更大,還探討了蘇格蘭人對大不列顛英國的世代民族仇恨。

我是看了《猜火車》小說後,才赫然發現《猜火車》還有下集。變態男(Sick Boy)返回家鄉,重起爐灶,這會兒要拍春宮電影,書名就叫做《春宮電影》(Porno),《紐約時報》書評稱之為「作者的聲音宛如重重踢中讀者的腎臟」。這書,我也簽了,因為真的真的真的很想知道懶蛋、變態男、卑比、屎霸這幾個「大爛人」後來怎麼了。

但是《春宮電影》為什麼沒變成電影呢?說來,是一則我認為唯有「金錢」才能解決的問題。

首先,「猜火車」導演丹尼鮑伊(Danny Boyle)在《春宮電影》小說出版後(2002年),就找了作者厄文威爾許,以及原先「猜火車」的編劇John Hodge將它改寫成電影劇本。但是他說,這劇本還要擱個幾年,因為呢,「猜火車」四位男主角都變成好萊塢大明星了,保養的太好,他要「歲月的肆虐痕跡出現在他們臉上」才要開拍,這樣才符合書裡的精神。

明顯狗屁一則吧?要等歲月痕跡,那麼早改編劇本做什麼?分明是有人拒搭列車。

拒搭列車的就是「伊旺」麥奎格。行文至此,大家應該發現,我每次寫「伊旺」都要加上下括弧,因為他的英文名字Ewan McGergor要讀成「尤恩」。以前潑文已經抱怨過了。話說,丹尼鮑伊拍「海灘」,尤恩伊旺麥奎格超想演,他卻用了李奧納多狄卡皮歐,兩人因此決裂,只是沒有表面化。「海灘」是票房大失敗,但是丹尼鮑伊在「毀天滅地二十八天」大復活,重新站上票房導演行列。伊旺尤恩麥奎格拒演《春宮電影》的理由是,他不覺得續集的劇本有多大突破,他不想破壞「猜火車」留給世人的經典印象。如果接拍「春宮電影」,他必須找到說服自己的理由。

可是他好像不需要太多理由,就說服自己接拍完全破壞經典前作的「星戰大戰二部曲」(Star War: Episode II, Attack of the Clones)。因此,不拍《春宮電影》的理由是什麼,其實大家心知肚明。
伊旺麥奎格不演春宮電影。 此時唯有大把銀子才能讓他點頭吧。


至於另外三個《春宮電影》準演員呢?

性好魚色的變態男(Sick Boy Simon Williamson)在好萊塢拍了律師片影集《Eli Stone》,在我們這兒每周都排在《Lost檔案》後播出。我嚴格限定自己一次只迷一檔單元劇,因此選擇了《Lost》,因為該劇需要超強邏輯推理能力,以及最起碼的高能物理知識。對不起變態男啦,不過,我相信他會是個很特別的春宮電影導演。


屎霸(Spud)呢?他的英文原名也是發音大考驗。叫做Ewen Bremner。讀音為伊溫布萊納。最近看了他演的一部卡司繁多的電影,叫做「超完美葬禮」(Death At A Funeral)。笑到不行。
英國人的幽默(豆豆先生除外)是很冷很低調的,因此笑起來除了哈哈哈,還有一種「深得我心」的快感。這裡面不免有點自我得意的成份。Inside joke的魅力是很驚人的。這部電影的手法很明顯是師法羅伯亞特曼,但是節奏很快。不像羅伯大師的「迷霧莊園」,謀殺片,戲都演到一半,人物還沒出場完畢,命案也還沒發生。

[148922524576ba.jpg]卑比似乎選片比尤恩伊旺麥奎格有品味。他叫Robert Carlyle,演了「脫線舞男」,還有「二十八周毀滅倒數」(28 Weeks)。二十八周是我看到目前為止速度最快的殭尸。速度這麼快的殭尸,其實大可不必像以前一樣以「數目取勝」。這似乎有意重寫殭尸片的規則。接下來的殭尸會怎麼發展呢?我最近看的殭尸小說「秋天四部曲」,殭尸先是七竅流血,然後躺了好幾天,才爬起來。一開始只會直線行進,碰到東西才知道轉彎,人,對他們而言,跟沙發沒啥兩樣。因此「秋天四部曲」顯然企圖給殭尸一個演化的軌跡。


有一天,我恍惚間瞥見電視廣告有個「28 Years」,就大叫,什麼,又拍續集啦。上IMDB查,嗯,沒有這樣一部電影宣佈要開拍,或者已經進入後製階段。

可能是「猜火車」續集還要等二十八年吧?肉毒桿菌再強,也抵不過二十八年的「歲月肆虐」吧。

還是過了二十八年後,「毀天滅地」又要開始了。

二十一世紀的每一天都是後啟示錄啊。


引用來源©http://blog.yam.com/bigear/article/16481703

Underworld - Born Slippy NUXX 也不會老ㄚ~ (2008/08/23)
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《猜火車》中譯本終於上市。


文/何穎怡
《猜火車》是我跟《裸體午餐》同一時間企劃的書,這兩天就上市了。我找了但唐謨翻譯,紀大偉審閱。全書都是蘇格蘭口音書寫,沒摸透蘇格蘭人發音的方式,看這本書就跟看天書一樣(套句現代語,就像讀火星文)。或許如此,才會「猜火車」電影已經紅了十四年,卻依然沒有中譯本。

相信多數人對「猜火車」電影的印象是男主角「伊旺」麥奎格為了搶救兩顆鴉片拴劑,不惜躍入蘇格蘭史上最恐怖的馬桶裡去撈。那一刻,全戲院的人尖叫。我不巧,正在吃壽司。

「猜火車」電影對藥物世代的描寫,以及鏡頭的掌握運用,都是「破天荒」的新,新到「伊旺」麥奎格對中下階級正常生活的質疑,成為一整個世代的流行語……

選擇生活,選擇工作,選擇初次購屋,選擇牙醫保險、休閒服飾、搭配的旅行箱。選擇未來。 但幹嘛要做這些選擇?尤其當你已經選擇了海洛因。

小說比電影,輻射角度更大,還探討了蘇格蘭人對大不列顛英國的世代民族仇恨。

我是看了《猜火車》小說後,才赫然發現《猜火車》還有下集。變態男(Sick Boy)返回家鄉,重起爐灶,這會兒要拍春宮電影,書名就叫做《春宮電影》(Porno),《紐約時報》書評稱之為「作者的聲音宛如重重踢中讀者的腎臟」。這書,我也簽了,因為真的真的真的很想知道懶蛋、變態男、卑比、屎霸這幾個「大爛人」後來怎麼了。

但是《春宮電影》為什麼沒變成電影呢?說來,是一則我認為唯有「金錢」才能解決的問題。

首先,「猜火車」導演丹尼鮑伊(Danny Boyle)在《春宮電影》小說出版後(2002年),就找了作者厄文威爾許,以及原先「猜火車」的編劇John Hodge將它改寫成電影劇本。但是他說,這劇本還要擱個幾年,因為呢,「猜火車」四位男主角都變成好萊塢大明星了,保養的太好,他要「歲月的肆虐痕跡出現在他們臉上」才要開拍,這樣才符合書裡的精神。

明顯狗屁一則吧?要等歲月痕跡,那麼早改編劇本做什麼?分明是有人拒搭列車。

拒搭列車的就是「伊旺」麥奎格。行文至此,大家應該發現,我每次寫「伊旺」都要加上下括弧,因為他的英文名字Ewan McGergor要讀成「尤恩」。以前潑文已經抱怨過了。話說,丹尼鮑伊拍「海灘」,尤恩伊旺麥奎格超想演,他卻用了李奧納多狄卡皮歐,兩人因此決裂,只是沒有表面化。「海灘」是票房大失敗,但是丹尼鮑伊在「毀天滅地二十八天」大復活,重新站上票房導演行列。伊旺尤恩麥奎格拒演《春宮電影》的理由是,他不覺得續集的劇本有多大突破,他不想破壞「猜火車」留給世人的經典印象。如果接拍「春宮電影」,他必須找到說服自己的理由。

可是他好像不需要太多理由,就說服自己接拍完全破壞經典前作的「星戰大戰二部曲」(Star War: Episode II, Attack of the Clones)。因此,不拍《春宮電影》的理由是什麼,其實大家心知肚明。
伊旺麥奎格不演春宮電影。 此時唯有大把銀子才能讓他點頭吧。


至於另外三個《春宮電影》準演員呢?

性好魚色的變態男(Sick Boy Simon Williamson)在好萊塢拍了律師片影集《Eli Stone》,在我們這兒每周都排在《Lost檔案》後播出。我嚴格限定自己一次只迷一檔單元劇,因此選擇了《Lost》,因為該劇需要超強邏輯推理能力,以及最起碼的高能物理知識。對不起變態男啦,不過,我相信他會是個很特別的春宮電影導演。


屎霸(Spud)呢?他的英文原名也是發音大考驗。叫做Ewen Bremner。讀音為伊溫布萊納。最近看了他演的一部卡司繁多的電影,叫做「超完美葬禮」(Death At A Funeral)。笑到不行。
英國人的幽默(豆豆先生除外)是很冷很低調的,因此笑起來除了哈哈哈,還有一種「深得我心」的快感。這裡面不免有點自我得意的成份。Inside joke的魅力是很驚人的。這部電影的手法很明顯是師法羅伯亞特曼,但是節奏很快。不像羅伯大師的「迷霧莊園」,謀殺片,戲都演到一半,人物還沒出場完畢,命案也還沒發生。

[148922524576ba.jpg]卑比似乎選片比尤恩伊旺麥奎格有品味。他叫Robert Carlyle,演了「脫線舞男」,還有「二十八周毀滅倒數」(28 Weeks)。二十八周是我看到目前為止速度最快的殭尸。速度這麼快的殭尸,其實大可不必像以前一樣以「數目取勝」。這似乎有意重寫殭尸片的規則。接下來的殭尸會怎麼發展呢?我最近看的殭尸小說「秋天四部曲」,殭尸先是七竅流血,然後躺了好幾天,才爬起來。一開始只會直線行進,碰到東西才知道轉彎,人,對他們而言,跟沙發沒啥兩樣。因此「秋天四部曲」顯然企圖給殭尸一個演化的軌跡。


有一天,我恍惚間瞥見電視廣告有個「28 Years」,就大叫,什麼,又拍續集啦。上IMDB查,嗯,沒有這樣一部電影宣佈要開拍,或者已經進入後製階段。

可能是「猜火車」續集還要等二十八年吧?肉毒桿菌再強,也抵不過二十八年的「歲月肆虐」吧。

還是過了二十八年後,「毀天滅地」又要開始了。

二十一世紀的每一天都是後啟示錄啊。


引用來源©http://blog.yam.com/bigear/article/16481703

Underworld - Born Slippy NUXX 也不會老ㄚ~ (2008/08/23)
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[jeph:音謀筆記]《猜火車》-- 我們這個世代與這個時代

《猜火車》-- 我們這個世代與這個時代
http://www.books.com.tw/exep/assp.php/infoledge/exep/prod/booksfile.php?item=0010410827

猜火車》這部電影我看了不下四五遍,每回重看仍然津津有味。其中的配樂〈Born Slippy(Nuxx)〉無論聽幾次都不膩。
很巧身邊幾個朋友對這部片與這些曲子也有類似程度的喜愛,我不禁認為它們是我們這個世代的象徵。
話說回來,什麼是我們「這個」世代?
我們這個世代有許多標籤,最普遍被討論的講法是「X世代」。最近幾年台灣內部流行的講法是「五/六年級世代」、「學運世代」。針對《猜火車》與〈Born Slippy〉,又可以用「化學世代」來談。
不同的世代標籤談的是不同的事情,無論如何,在年代上大致指的是同一批人。
我們「這個」世代在開始有一點消費能力的時候,柏林圍牆倒塌,蘇聯瓦解。當時有人認為這個世界大局已定,沒什麼好吵的了,資本主義全面勝利,不必再想東想西,大多數人一輩子註定是面目相同的中產階級。
但我們這個世代當時尚未遠離叛逆期,心有不甘。


「選擇生活,選擇工作,選擇事業,選擇家庭,選他媽的大電視機,選洗衣機、車子、CD、電動開罐器,選擇健康、低膽固醇和牙醫保險、定息低率貸款,選擇房子,選擇朋友,選擇休閒服跟搭配的行李箱,選擇各種布料的西裝,選DIY,懷疑自己是啥?看心智麻痺的電視,嘴裡塞滿垃圾食物,最後整個人腐爛到底,在悲慘的家裡生一堆自私的混蛋小孩煩死自己,不過是難堪罷了,選擇未來,選擇生活,......我幹嘛做這些事?」



這串《猜火車》的台詞像嚼牛筋,無論讀幾次都彈牙。
電影配樂裡,Underworld 的〈Born Slippy(Nuxx)〉最常提到,至今聲名不墜,舞廳裡DJ放出來必定引起全場歡呼。它以低沈壓抑的迴盪電子 ambient 音起頭,主唱無調無情緒地吟唱,突然間,重低音貝斯鼓激烈響起, 接著一路高速摧到底,像是蜷縮在牆角發愣的人,一個抬頭,莫名地站起來沒命地狂奔。

麻痺,壓抑,緊張,逃逸...。我常覺得這首曲子之所成為90年代的不朽經典,或許是因為它的曲式與這一代青年的心境產生了共振效應。
最近《猜火車》中譯小說出版了,與電影最早上映時間相差了十二年。我們這一代漸漸成為「上一代」。但讀起來,正像何穎怡大姐說的「猜火車怎麼還不老!
看起來,我們這一代人可能還沒從猜火車的情境裡走出。「為什麼要選擇?」坐在沙發上,按著搖控器在上百個頻道間快速跳選,腦裡不時浮現這個問題。
讀完這部小說後,我改從「時代」而非「世代」來重新認識《猜火車》裡描述的生存處境。
我們這個時代,可選擇的花樣一年比一年多,彷彿所有欲望都可以得滿足。滿足的同時,卻又立刻產生新的欲望。而這個時代,物質汰舊換新的速度是人類有史以來最快的。這表示,我們這個時代的人,比以往更快速更頻繁地擺盪在「滿足」<->「欲求不滿」之間。
小說中的人物,處在海洛因的極度滿足與退藥後的極度痛苦之間,似乎就像是這個時代物質生活的隱喻。
由這個觀點來看〈Born Slippy(Nuxx)〉之所以能夠在十多年後仍不顯老(且不斷出現新混音版本),或許是因為它那種高反差的曲式,才能為我們這個音樂形式幾乎已被充分開發完畢的時代,帶來足夠的刺激感。
幾天前與一位老友碰面聊天,他提到國小三年級的女兒,已經會開口向他要:手機、iPod、Wii、eeePC。然後我們一起努力回憶自已國小三年級時想要的是什麼,嗯,好像沒那麼多,或至少,沒那麼貴。
於是我又想到《猜火車》片頭那串台詞:選擇...、選擇...、選擇..、....。

引用來源©http://jeph.bluecircus.net/archives/music/trainspotting_generation.php 《猜火車》-- 我們這個世代與這個時代
http://www.books.com.tw/exep/assp.php/infoledge/exep/prod/booksfile.php?item=0010410827

猜火車》這部電影我看了不下四五遍,每回重看仍然津津有味。其中的配樂〈Born Slippy(Nuxx)〉無論聽幾次都不膩。
很巧身邊幾個朋友對這部片與這些曲子也有類似程度的喜愛,我不禁認為它們是我們這個世代的象徵。
話說回來,什麼是我們「這個」世代?
我們這個世代有許多標籤,最普遍被討論的講法是「X世代」。最近幾年台灣內部流行的講法是「五/六年級世代」、「學運世代」。針對《猜火車》與〈Born Slippy〉,又可以用「化學世代」來談。
不同的世代標籤談的是不同的事情,無論如何,在年代上大致指的是同一批人。
我們「這個」世代在開始有一點消費能力的時候,柏林圍牆倒塌,蘇聯瓦解。當時有人認為這個世界大局已定,沒什麼好吵的了,資本主義全面勝利,不必再想東想西,大多數人一輩子註定是面目相同的中產階級。
但我們這個世代當時尚未遠離叛逆期,心有不甘。


「選擇生活,選擇工作,選擇事業,選擇家庭,選他媽的大電視機,選洗衣機、車子、CD、電動開罐器,選擇健康、低膽固醇和牙醫保險、定息低率貸款,選擇房子,選擇朋友,選擇休閒服跟搭配的行李箱,選擇各種布料的西裝,選DIY,懷疑自己是啥?看心智麻痺的電視,嘴裡塞滿垃圾食物,最後整個人腐爛到底,在悲慘的家裡生一堆自私的混蛋小孩煩死自己,不過是難堪罷了,選擇未來,選擇生活,......我幹嘛做這些事?」



這串《猜火車》的台詞像嚼牛筋,無論讀幾次都彈牙。
電影配樂裡,Underworld 的〈Born Slippy(Nuxx)〉最常提到,至今聲名不墜,舞廳裡DJ放出來必定引起全場歡呼。它以低沈壓抑的迴盪電子 ambient 音起頭,主唱無調無情緒地吟唱,突然間,重低音貝斯鼓激烈響起, 接著一路高速摧到底,像是蜷縮在牆角發愣的人,一個抬頭,莫名地站起來沒命地狂奔。

麻痺,壓抑,緊張,逃逸...。我常覺得這首曲子之所成為90年代的不朽經典,或許是因為它的曲式與這一代青年的心境產生了共振效應。
最近《猜火車》中譯小說出版了,與電影最早上映時間相差了十二年。我們這一代漸漸成為「上一代」。但讀起來,正像何穎怡大姐說的「猜火車怎麼還不老!
看起來,我們這一代人可能還沒從猜火車的情境裡走出。「為什麼要選擇?」坐在沙發上,按著搖控器在上百個頻道間快速跳選,腦裡不時浮現這個問題。
讀完這部小說後,我改從「時代」而非「世代」來重新認識《猜火車》裡描述的生存處境。
我們這個時代,可選擇的花樣一年比一年多,彷彿所有欲望都可以得滿足。滿足的同時,卻又立刻產生新的欲望。而這個時代,物質汰舊換新的速度是人類有史以來最快的。這表示,我們這個時代的人,比以往更快速更頻繁地擺盪在「滿足」<->「欲求不滿」之間。
小說中的人物,處在海洛因的極度滿足與退藥後的極度痛苦之間,似乎就像是這個時代物質生活的隱喻。
由這個觀點來看〈Born Slippy(Nuxx)〉之所以能夠在十多年後仍不顯老(且不斷出現新混音版本),或許是因為它那種高反差的曲式,才能為我們這個音樂形式幾乎已被充分開發完畢的時代,帶來足夠的刺激感。
幾天前與一位老友碰面聊天,他提到國小三年級的女兒,已經會開口向他要:手機、iPod、Wii、eeePC。然後我們一起努力回憶自已國小三年級時想要的是什麼,嗯,好像沒那麼多,或至少,沒那麼貴。
於是我又想到《猜火車》片頭那串台詞:選擇...、選擇...、選擇..、....。

引用來源©http://jeph.bluecircus.net/archives/music/trainspotting_generation.php

[U2 360° Tour] 三百六十度旋轉的舞台設計


按此,體驗U2的三百六十度旋轉舞台。

大家應該都有參加過印象深刻的搖滾樂團巡迴演唱會,現場演唱會有何魅力呢?有些人是想一睹巨星的風采,有些人是想在萬頭鑽洞中感受舞台散發出的動感氛圍,更有些藝人是抱著學習心態到場欣賞表演編排與聲光效果,所以,演唱會的舞台酷炫設計絕對是票房的保證,由於巡迴演唱會所費不貲,舞台的安裝與拆卸必須越快越好,儘可能以最少的載貨卡車將裝備搬運至下一個演出地點,舞台最好聘請當地工人搭建,從財務觀點看來,這堪稱是場豪賭,因為一切規劃在門票售出前就已底定。

根據羅宋女士這篇文章得知,波諾領軍的搖滾天團即將斥資一億五千萬美元於六月底在巴塞隆納展開為期一年半的「三百六十度」巡迴演唱會,這次巡迴演唱會最特殊的地方在於,樂團將在場地中央的圓形旋轉舞台與伸展台演出,四根單薄鋼柱將支撐照明設備、揚聲器、電纜與一個巨大圓錐狀螢幕,這個舞台長約五十米、重約四百噸,最驚人的是,舞台裝置居然要出動一百八十輛載貨卡車運送—據說主辦單位已為此購買碳補償,這是少見有生態認知的巡迴演唱會—負責舞台設計的是長年與此樂團合作的威廉士先生建築師費雪—費雪先生曾負責平克佛洛伊德與滾石樂團等天團的巡迴演唱會舞台設計—以前並非所有參加巨星巡迴演唱會的觀眾都可親眼目賭明星的風采,直到一九七十年代中期,平克佛洛伊德樂團終於為舞台帶來更先進的聲光效果。

波諾天團的舞台設計常常以偌大螢幕諷刺媒體文化與消費主義等震撼觀眾的創新戲劇手法呈現,三百六十度旋轉的的舞台設計絕對是個噱頭,也可讓觀眾產生親暱的幻覺,除此之外,圓形的舞台設計可以釋出被傳統舞台佔據的座位以增加票房,威廉士先生從奧地利康斯坦茲湖面上建造的浮動歌劇舞台確定此舞台設計之可行,舞台造型的靈感則來自於洛杉磯機場四角拱型結構的主題建築,他將草擬的概念交由建築師費雪—費雪受教於六十年代前衛建築團隊的共同創辦建築師彼得‧庫克,他的夢想是創造出可攜式張力構造體—詮釋。

費雪先生在鋼材外包覆專為一級方程式賽車開發的織布來強化三百六十度舞台的視覺效果,這種布料在晚上可映出任何照向它的絢爛光色—此概念來自庫克先生的建築事務所在一九六四年發展出可以蹣跚步伐散步的移動城市—這種舞台不祇可讓全場觀眾清楚看到樂團表演,也充當擺放樂器與安置工作人員的屋頂,五百萬像素圓錐狀螢幕是以連鎖嵌版架設,工作人員安裝螢幕、舞台與裝備需耗費一天時間,搭建鋼骨則需四天,為了增加表演場數,主辦單位在巡迴演唱期間要動用三套舞台裝備,一套使用中、另一套在下個演唱會場地搭建、第三套則處於運送中,所以,工作人員可在最短的時間讓波諾天團上台演出。

為何數位時代的觀眾依舊喜歡參加現場演唱會?費雪先生認為,這是為了共同體驗並留下社會性及空間性的集體記憶,而舞台設計將可經由替觀眾製造期待以及傳遞熱情演出來達到以上目的。

U2 360° Tour
http://360.u2.com/

wallace愛作夢:三百六十度旋轉的舞台設計 - 樂多日誌
引用來源©http://blog.roodo.com/wallace_yang/archives/9291019.html

按此,體驗U2的三百六十度旋轉舞台。

大家應該都有參加過印象深刻的搖滾樂團巡迴演唱會,現場演唱會有何魅力呢?有些人是想一睹巨星的風采,有些人是想在萬頭鑽洞中感受舞台散發出的動感氛圍,更有些藝人是抱著學習心態到場欣賞表演編排與聲光效果,所以,演唱會的舞台酷炫設計絕對是票房的保證,由於巡迴演唱會所費不貲,舞台的安裝與拆卸必須越快越好,儘可能以最少的載貨卡車將裝備搬運至下一個演出地點,舞台最好聘請當地工人搭建,從財務觀點看來,這堪稱是場豪賭,因為一切規劃在門票售出前就已底定。

根據羅宋女士這篇文章得知,波諾領軍的搖滾天團即將斥資一億五千萬美元於六月底在巴塞隆納展開為期一年半的「三百六十度」巡迴演唱會,這次巡迴演唱會最特殊的地方在於,樂團將在場地中央的圓形旋轉舞台與伸展台演出,四根單薄鋼柱將支撐照明設備、揚聲器、電纜與一個巨大圓錐狀螢幕,這個舞台長約五十米、重約四百噸,最驚人的是,舞台裝置居然要出動一百八十輛載貨卡車運送—據說主辦單位已為此購買碳補償,這是少見有生態認知的巡迴演唱會—負責舞台設計的是長年與此樂團合作的威廉士先生建築師費雪—費雪先生曾負責平克佛洛伊德與滾石樂團等天團的巡迴演唱會舞台設計—以前並非所有參加巨星巡迴演唱會的觀眾都可親眼目賭明星的風采,直到一九七十年代中期,平克佛洛伊德樂團終於為舞台帶來更先進的聲光效果。

波諾天團的舞台設計常常以偌大螢幕諷刺媒體文化與消費主義等震撼觀眾的創新戲劇手法呈現,三百六十度旋轉的的舞台設計絕對是個噱頭,也可讓觀眾產生親暱的幻覺,除此之外,圓形的舞台設計可以釋出被傳統舞台佔據的座位以增加票房,威廉士先生從奧地利康斯坦茲湖面上建造的浮動歌劇舞台確定此舞台設計之可行,舞台造型的靈感則來自於洛杉磯機場四角拱型結構的主題建築,他將草擬的概念交由建築師費雪—費雪受教於六十年代前衛建築團隊的共同創辦建築師彼得‧庫克,他的夢想是創造出可攜式張力構造體—詮釋。

費雪先生在鋼材外包覆專為一級方程式賽車開發的織布來強化三百六十度舞台的視覺效果,這種布料在晚上可映出任何照向它的絢爛光色—此概念來自庫克先生的建築事務所在一九六四年發展出可以蹣跚步伐散步的移動城市—這種舞台不祇可讓全場觀眾清楚看到樂團表演,也充當擺放樂器與安置工作人員的屋頂,五百萬像素圓錐狀螢幕是以連鎖嵌版架設,工作人員安裝螢幕、舞台與裝備需耗費一天時間,搭建鋼骨則需四天,為了增加表演場數,主辦單位在巡迴演唱期間要動用三套舞台裝備,一套使用中、另一套在下個演唱會場地搭建、第三套則處於運送中,所以,工作人員可在最短的時間讓波諾天團上台演出。

為何數位時代的觀眾依舊喜歡參加現場演唱會?費雪先生認為,這是為了共同體驗並留下社會性及空間性的集體記憶,而舞台設計將可經由替觀眾製造期待以及傳遞熱情演出來達到以上目的。

U2 360° Tour
http://360.u2.com/

wallace愛作夢:三百六十度旋轉的舞台設計 - 樂多日誌
引用來源©http://blog.roodo.com/wallace_yang/archives/9291019.html

20090313聯合|菲利普.格拉斯 極簡到無限的「音」雄


菲利普.格拉斯 極簡到無限的「音」雄

【聯合報╱本報記者何定照】
2009.03.13 02:29 am

菲利普‧格拉斯一向被稱為「極簡主義大師」,不過他自己卻很厭煩這項稱謂,寧可自稱「古典主義者」。
圖/兩廳院提供

近幾年,曾以「楚門的世界」、「時時刻刻」等電影配樂獲獎的作曲家菲利普‧格拉斯,在台曝光率大增,前年率專屬樂團來台賣座甚佳,去年紀錄片上映也蔚為風潮,上周又以「渴望之書」締造爆滿票房。他的魅力究竟何來?

一開始是碎散的鈴,然後是規律的鐵琴敲擊,小提琴單一聲線隨後加入,又疊上重複鐘聲。你還來不及分辨不同樂器的細微變化,弦樂又逐漸湧出,不斷反覆著簡短動機,旋轉般越來越強,終隨著越來越強勁的鼓聲,爆炸成一片燦爛星雲……

在意音樂語言

這是著名作曲家菲利普‧格拉斯為電影「三島由紀夫」寫的配樂(取自「開場」),也為他贏得人生中第一座電影配樂獎。對許多人來說,格拉斯音樂的魅力常在於樂聲中飽滿的張力與情緒,格拉斯自己則說:「其實我不大在意音樂的氛圍或情緒,我在意的是音樂語言。」
是什麼樣的音樂語言,讓格拉斯在1960年代創造的極簡主義樂風,能橫跨古典器樂、歌劇、當代音樂、電影配樂、戲劇及舞蹈配樂,乃至搖滾、電音、流行樂,合作對象又廣含各領域大師如羅伯‧威爾森、伍迪‧艾倫、拉維‧香卡、馬友友,及歌手大衛‧鮑伊、保羅‧賽門、李歐納‧柯恩,至今不衰?

旅法啟蒙風格

細究起來,格拉斯的極簡風格,可說融合西方古典技法、當代音樂概念,以及最關鍵的,東方音樂的啟發。光是這廣闊的形成土壤,似乎即預示他的音樂何以能跨越年代、流傳全球,而這些啟蒙,幾乎都是發生在1964至66年格拉斯旅法期間。
1964年,茱麗亞音樂學院畢業的格拉斯,赴巴黎師從法國音樂教母布蘭潔,立即扛下研究巴赫平均律的艱鉅功課。7歲就能背出巴赫48首前奏與賦格曲的布蘭潔,向來要求學生熟習對位法,凡有疏誤,立刻破口大罵,格拉斯也飽嘗「連滾帶爬逃出教室」的命運。
辛苦學習之餘,格拉斯也遍覽巴黎的人文風光。妙的是,法國現代音樂如布列茲等人的作品,格拉斯聽來「毫無吸引力」,倒是美國前衛作曲家約翰‧凱吉讓他大感驚喜,日後還成為他口中「西塔琴大師香卡之外,另一位啟發我創作靈感的音樂家」。

紐時推薦珍藏

更關鍵的音樂突破點來自香卡。1965年,格拉斯為擔任電影「Chappaqua」配樂的香卡記譜,震撼於香卡迥異於西方的音樂概念。在紀錄片「格拉斯十二樂章」中,他回憶:「香卡說,所有的節拍都一樣,我完全聽不懂……後來我終於了解,在西方音樂中,我們像切一條土司一樣將時間分段;而印度音樂,則是將一個個時間單位串起,累加成更大的時間。」
東西火花的碰撞,匯聚成1974年格拉斯的極簡主義鉅作「12部音樂」(Music in Twelve Parts)。該作原只有12行簡單的對位音樂,經過四年建構,才成為格拉斯眼裡「我極簡主義的終點」,近年還被紐約時報選為百大值得珍藏的古典唱片。格拉斯後來的極簡技法,可說都源於此作。

影響電音舞曲

除了極簡形式本身,二戰後前衛藝術運動興起,各領域藝術家跨界合作成常態,也對格拉斯的音樂產生決定性影響。他認為,不同領域藝術家的結合,不但能創造更佳的作品,也會回過頭影響各藝術,「作曲家的角色不能只限於作曲,而得真正進入表演領域;劇場是我音樂真正的家」。

以1976年與羅伯‧威爾森合作的歌劇「沙灘上的愛因斯坦」為例,該劇就在音樂、戲劇史都立下里程碑,也成為格拉斯和威爾森的不朽座標。
格拉斯的極簡音樂,彷彿在另一個象限,同時建築出威爾森的層疊意象。而威爾森幾何式的視覺美學,又似乎呼應著格拉斯的音樂建築。不同藝術,豐富了彼此。

雖然格拉斯自此認為「歌劇是最高的藝術形式,因為它綜合所有戲劇元素,包括音樂、歌詞、動作、影像,甚於電影及戲劇」,至今也已譜寫逾20齣歌劇,但他仍不斷創作其他音樂類型。90年代更以崇拜者大衛‧鮑伊及電音先鋒布萊恩.伊諾的音樂為素材,創作第四號交響曲「世間英雄」,影響甚至遠及電音舞曲圈。

好奇創造驚奇

如今已經72歲的格拉斯,上周又在台舉行衍生自李歐納‧柯恩詩作「渴望之書」的同名音樂會,結合音樂、詩作、畫作多媒體,堪稱他來台三次中,最接近他理想表演形式的創作。儘管他早不願被標籤為「極簡音樂家」,寧可自稱「古典主義者」,音樂會仍可清楚辨識他的極簡風格;只是極簡於他,已僅是音樂技法之一。
曾有人問格拉斯,一直勇於嘗試新型態的動力何來?格拉斯回答,他的好奇心是主因,但與各型態藝術家的互動也很重要。今年,他的新歌劇「克卜勒」及第二號小提琴協奏曲「美國四季」又將首演,且期待格拉斯的下一個驚奇。

音樂小辭典》極簡音樂
極簡音樂的特色,是將一個或數個極短的音樂動機,不斷反覆延伸、堆疊、融合、發展,格拉斯則特別擅長以不同樂器交疊出層層音色,乃至讓不同聲部的動機互相對話,製造強大戲劇性。同時,他也不自限於極簡「規則」,音樂因此更多變。

引用來源©http://udn.com/NEWS/READING/REA8/4786124.shtml


兩廳院20週年歡慶系列【菲利普‧格拉斯經典再現】
◆主辦單位:國立中正文化中心
◆演出時間:2007/4/11~12(三~四) 7:30PM
◆演出地點:國家音樂廳
◆演出者:演奏/Philip Glass & Philip Glass Ensemble作曲/Philip Glass指揮及音樂指導/Michael Riesman音效/Kurt Munkacsi製作/Linda Brumbach, Pomegranate Arts Inc.
◆票價:500/700/900/1200/1600/200 (500/700/900已售完)
◆售票處:兩廳院售票系統 (02)3393-9888 www.artsticket.com.tw

延伸閱讀
兩廳院20週年歡慶系列【菲利普‧格拉斯經典再現】新聞稿 - 古典啟示錄
http://mypaper.pchome.com.tw/news/classic/3/1283904513/20070410172006/
菲利普.格拉斯 極簡到無限的「音」雄

【聯合報╱本報記者何定照】
2009.03.13 02:29 am

菲利普‧格拉斯一向被稱為「極簡主義大師」,不過他自己卻很厭煩這項稱謂,寧可自稱「古典主義者」。
圖/兩廳院提供

近幾年,曾以「楚門的世界」、「時時刻刻」等電影配樂獲獎的作曲家菲利普‧格拉斯,在台曝光率大增,前年率專屬樂團來台賣座甚佳,去年紀錄片上映也蔚為風潮,上周又以「渴望之書」締造爆滿票房。他的魅力究竟何來?

一開始是碎散的鈴,然後是規律的鐵琴敲擊,小提琴單一聲線隨後加入,又疊上重複鐘聲。你還來不及分辨不同樂器的細微變化,弦樂又逐漸湧出,不斷反覆著簡短動機,旋轉般越來越強,終隨著越來越強勁的鼓聲,爆炸成一片燦爛星雲……

在意音樂語言

這是著名作曲家菲利普‧格拉斯為電影「三島由紀夫」寫的配樂(取自「開場」),也為他贏得人生中第一座電影配樂獎。對許多人來說,格拉斯音樂的魅力常在於樂聲中飽滿的張力與情緒,格拉斯自己則說:「其實我不大在意音樂的氛圍或情緒,我在意的是音樂語言。」
是什麼樣的音樂語言,讓格拉斯在1960年代創造的極簡主義樂風,能橫跨古典器樂、歌劇、當代音樂、電影配樂、戲劇及舞蹈配樂,乃至搖滾、電音、流行樂,合作對象又廣含各領域大師如羅伯‧威爾森、伍迪‧艾倫、拉維‧香卡、馬友友,及歌手大衛‧鮑伊、保羅‧賽門、李歐納‧柯恩,至今不衰?

旅法啟蒙風格

細究起來,格拉斯的極簡風格,可說融合西方古典技法、當代音樂概念,以及最關鍵的,東方音樂的啟發。光是這廣闊的形成土壤,似乎即預示他的音樂何以能跨越年代、流傳全球,而這些啟蒙,幾乎都是發生在1964至66年格拉斯旅法期間。
1964年,茱麗亞音樂學院畢業的格拉斯,赴巴黎師從法國音樂教母布蘭潔,立即扛下研究巴赫平均律的艱鉅功課。7歲就能背出巴赫48首前奏與賦格曲的布蘭潔,向來要求學生熟習對位法,凡有疏誤,立刻破口大罵,格拉斯也飽嘗「連滾帶爬逃出教室」的命運。
辛苦學習之餘,格拉斯也遍覽巴黎的人文風光。妙的是,法國現代音樂如布列茲等人的作品,格拉斯聽來「毫無吸引力」,倒是美國前衛作曲家約翰‧凱吉讓他大感驚喜,日後還成為他口中「西塔琴大師香卡之外,另一位啟發我創作靈感的音樂家」。

紐時推薦珍藏

更關鍵的音樂突破點來自香卡。1965年,格拉斯為擔任電影「Chappaqua」配樂的香卡記譜,震撼於香卡迥異於西方的音樂概念。在紀錄片「格拉斯十二樂章」中,他回憶:「香卡說,所有的節拍都一樣,我完全聽不懂……後來我終於了解,在西方音樂中,我們像切一條土司一樣將時間分段;而印度音樂,則是將一個個時間單位串起,累加成更大的時間。」
東西火花的碰撞,匯聚成1974年格拉斯的極簡主義鉅作「12部音樂」(Music in Twelve Parts)。該作原只有12行簡單的對位音樂,經過四年建構,才成為格拉斯眼裡「我極簡主義的終點」,近年還被紐約時報選為百大值得珍藏的古典唱片。格拉斯後來的極簡技法,可說都源於此作。

影響電音舞曲

除了極簡形式本身,二戰後前衛藝術運動興起,各領域藝術家跨界合作成常態,也對格拉斯的音樂產生決定性影響。他認為,不同領域藝術家的結合,不但能創造更佳的作品,也會回過頭影響各藝術,「作曲家的角色不能只限於作曲,而得真正進入表演領域;劇場是我音樂真正的家」。

以1976年與羅伯‧威爾森合作的歌劇「沙灘上的愛因斯坦」為例,該劇就在音樂、戲劇史都立下里程碑,也成為格拉斯和威爾森的不朽座標。
格拉斯的極簡音樂,彷彿在另一個象限,同時建築出威爾森的層疊意象。而威爾森幾何式的視覺美學,又似乎呼應著格拉斯的音樂建築。不同藝術,豐富了彼此。

雖然格拉斯自此認為「歌劇是最高的藝術形式,因為它綜合所有戲劇元素,包括音樂、歌詞、動作、影像,甚於電影及戲劇」,至今也已譜寫逾20齣歌劇,但他仍不斷創作其他音樂類型。90年代更以崇拜者大衛‧鮑伊及電音先鋒布萊恩.伊諾的音樂為素材,創作第四號交響曲「世間英雄」,影響甚至遠及電音舞曲圈。

好奇創造驚奇

如今已經72歲的格拉斯,上周又在台舉行衍生自李歐納‧柯恩詩作「渴望之書」的同名音樂會,結合音樂、詩作、畫作多媒體,堪稱他來台三次中,最接近他理想表演形式的創作。儘管他早不願被標籤為「極簡音樂家」,寧可自稱「古典主義者」,音樂會仍可清楚辨識他的極簡風格;只是極簡於他,已僅是音樂技法之一。
曾有人問格拉斯,一直勇於嘗試新型態的動力何來?格拉斯回答,他的好奇心是主因,但與各型態藝術家的互動也很重要。今年,他的新歌劇「克卜勒」及第二號小提琴協奏曲「美國四季」又將首演,且期待格拉斯的下一個驚奇。

音樂小辭典》極簡音樂
極簡音樂的特色,是將一個或數個極短的音樂動機,不斷反覆延伸、堆疊、融合、發展,格拉斯則特別擅長以不同樂器交疊出層層音色,乃至讓不同聲部的動機互相對話,製造強大戲劇性。同時,他也不自限於極簡「規則」,音樂因此更多變。

引用來源©http://udn.com/NEWS/READING/REA8/4786124.shtml


兩廳院20週年歡慶系列【菲利普‧格拉斯經典再現】
◆主辦單位:國立中正文化中心
◆演出時間:2007/4/11~12(三~四) 7:30PM
◆演出地點:國家音樂廳
◆演出者:演奏/Philip Glass & Philip Glass Ensemble作曲/Philip Glass指揮及音樂指導/Michael Riesman音效/Kurt Munkacsi製作/Linda Brumbach, Pomegranate Arts Inc.
◆票價:500/700/900/1200/1600/200 (500/700/900已售完)
◆售票處:兩廳院售票系統 (02)3393-9888 www.artsticket.com.tw

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兩廳院20週年歡慶系列【菲利普‧格拉斯經典再現】新聞稿 - 古典啟示錄
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[破報] 20年的舞場物語 — DJ Victor

文/吳牧青

從早期複合式飲酒娛樂的pub年代、歷經國內首間電子舞場時代、瑞舞草創時期、專業電子舞吧、同志舞吧、大型戶外商業派對,若有讀者參與過其中任何一個場 景,都不會忘記有這麼一號重要的人物。很少有DJ比他還愛跳舞,他可以在放完3小時的set之後還跟下面的舞客一起跳到打烊,頂著一身像是竹竿般好認的身 形,還擁有著無限靈活的關節—我曾經在墾丁看過他表演過沒有手肘般地360度旋轉,只差沒有跳到骨頭散掉。

縱然每年都有兩位數的明星DJ來到台灣,但他還是許多舞客,不分直的彎的雙的都一直信賴的舞場操盤手,如同他對自己的音樂嗅覺的自信,到了一種…你毋須去 討論他到底夠不夠好的程度。出於我的意料,五月中即將離台和加拿大籍男友結婚的他,在DJ生涯20年暫別故鄉的決定,已想了三年。

回憶這樣的決定,部份來自於三年前已經交往三年的男友被美語補習班當作和白道「交易業績」的籌碼,未持有工作證而被強行驅逐出境,「那種行為,就像是條子 在抄舞場啊!」Victor淡淡地說。加拿大對於同志婚姻的進步觀念,遂開始計劃在'08年赴加拿大展開人生另一階段。

「就DJ這個角色來說,在台灣似乎也沒有再讓我能有更好的發展了。無論是DJ本身,或是辦活動當promoter還是主導視覺設計,到亞洲的巡迴也去過大 多數的國家放過了…台灣舞廳的文化目前看來也很難再往上走了,一方面警察的問題,一方面大家還是很喜歡唱KTV啊。」Victor笑笑,說著應該不要在自 己變老才出去闖闖。「我已經做好了準備一切從零開始…至少還算是幸運的是,並不是只有我一個人單打獨鬥。」同時面對移民、結婚、事業歸零的當下, Victor挺自在地小三八說起屬於他才擁有的幸福。

18才 DJ少年初登板

五月初的第一個周末,前身為AXD的JumP舞吧特地為Victor的20年DJ生涯辦了個活動「20/20週年Party」 。而這場活動的另一主角Jimmy Chen也同時是Victor的20年舞場戰友,1988年位在忠孝敦化路口地下室的DAYnNIGHT,就只剩他倆從當時一路DJ到今天。「我還記得那 家是在目前交叉路口鞋店的下面,當時光是那棟地下室就有兩間舞廳和一間酒吧…」Victor生長自一個開明作風的家庭,小時候媽媽會去跳舞,大他好幾歲的 姊姊也從小就聽西洋音樂,其中一個姊姊還兩度和他在舞場不約而同當了同事。


「嚴格說來,我第一次放歌還不是在DAYnNIGHT,是在一間比較小的gay bar,當時我一個DJ朋友臨時生病,那邊的老闆就臨時起義拱我上架,雖然我平常在家已經有練習端盤子接歌,也買了好幾十張黑膠舞曲唱片,但一上台在完全 沒有經驗下,手抖得厲害,連唱針的位置都沒辦法放到準確的點,放十分鐘就被趕下來了。」Victor說起這事還歷歷在目的樣子,不過就在幾個月的歷練下, 經過兩間小店的經歷,就被DAYnNIGHT的一位DJ相中,開始了他正式的DJ生涯。

「場子很奇怪,音響鳥鳥的,
放House必清場,偶有人起來扭個兩下」

雖然當時DAYnNIGHT可說是間重要的舞場,但DJ並不是個自由度很高的工作,放歌的清單都要符合「TOP40」排行榜口味,而自小就迷戀Disco 養份,在80年代House舞曲風起雲湧的當下,Victor頂多偶爾放一些有上排行榜的New Wave或Synth Pop歌曲。(像是Human League、Erasure、New Order、Depeche Mode…等)

「當時不知道為什麼,反正只要一聽到House的節拍,不管有沒有vocal,就會一律清場。…就很邪門,就算你是放當時Top40的House版本舞 曲,也是一樣清場。」Victor所形容的那種情景在今天也許已經很難以看見,但如果放到一些至今國內仍然冷門的舞曲樂種,恐怕還是相去不遠。

「雖然那時候頂多能說是在那邊當『助手』,自由度也很有限,我自己也是靠自己練對拍、接歌的,但他們還是培養了我如何去掌握現場的氣氛,可以慢慢猜到再來 舞客需要的是什麼樣的音樂,這一點到目前都還很重要。」入伍前Victor離開了DAYnNIGHT,跑了一些各式各樣的場子,最怪的場子首推某間啤酒 屋,他形容,「就是間東區巷子裡的店,店裡的一角放了個舞台,有liveband和DJ檯,還有個小舞池,可是通常都不會有人跳舞,頂多聽到他們認識的歌 就起來扭個兩下。」

1993年Victor退伍,跑到了現在30到40歲有過夜生活的人都曉得的雅宴,再度接續放歌生涯。當時雅宴的情況依舊是放熱門流行歌曲,一個晚上會有 十幾首歌平均都會放上兩遍。兩個DJ十點上班待到五點打烊,兩人輪流上陣,在一切都已經疲勞和乏味的精神狀況,Victor辭掉了DJ工作,開始回去做他 所學的美術設計。

再度找回打碟樂趣—Twilight Zone、Underground

中斷的DJ生涯並沒有太久,1995年松江路的Twilight Zone開幕,成為國內第一間專門放送電子舞曲的場子,Victor興奮地到那玩了幾次,和老闆聊一陣後便決定再度回到DJ檯前。「對我來說, Twilight Zone是一個分水嶺,同時也是台灣舞廳文化很重要的分水嶺。DJ @llen比我早到那間店,像他在Spin的時期也面臨類似的問題,必須要在一些搖滾和另類音樂試著偷渡一些電子舞曲,可是他一放就是會清場,會被罵『這 什麼音樂啊?!』」Victor回想。

能確立Victor超過10年的DJ生涯,他細數,除了讓他重返舞台的Twilight Zone,還有隨後同場地另起的一間稍微商業的店,Underground。再來,便是百大DJ橫流台灣前,一些早期瑞舞客團結齊心的Rave年代,雖然 離上次@llen跟我說起他的DJ生涯已經相距兩年,我還是想起@llen那時翻著他電腦裡陳年的party老照片,對某張'97時在內湖碧山巖辦的活動 照,指著那一個另人熟悉卻又感到有點清澀的Victor。

90年代後期,Victor口味由House轉向Techno,Edge時期他的曲風也適時反應了這樣的轉折。

「我最想念的,還是『那一個DJ檯』。」 — TeXound

即使事隔多年,不少活動超過5年的夜貓子仍對TeXound那盞佇立在南京東路三段一角的招牌懷念久久不散,在去年,我曾經在MoS碰過一個攝影師,散場 後到他工作室續攤,那位攝影師放起一張Mix Album,很得意地跟我說︰「這張是TeXound那時候放的音樂!」作為一位TeXound的台柱DJ,他的想法和那些舞客們也很接近。

「到現在,你還是可以想起那個畫面,那間是個不分同志、異性戀、時尚圈、藝人、黑道大哥、貓仔、淑女都可以一起同歡的場地。某一個gay呼起了飯,拿給了 身旁的大哥,然後大哥的女人和樂融融地和另一個gay朋友扭在一起跳舞。」Victor說,不僅如此,他們對音樂的接受度也非常地高,DJ不大需要擔心放 的歌太新或太不流行,許多歌放到第三個禮拜,那首歌就會紅起來。

Tiger、Stone、Gravity、Victor、Jimmy Chen、Vertigo、Blueman先後進入了TeXound打碟,一時之間陣容之堅強也至多只有當時死對頭2F可以匹敵。「大概只有在那個時候, 我們上頭會有『明示』不可以到對手的店放歌,這在其他時期,包括現在都是沒有出現的狀況。因為當時生意很好,大家排班的時間也夠充裕,因此也不會覺得這樣 固樁手法不好。」後來由於藝人藥物事件連番出現,TeXound被迫停業,也因此才有後來的AXD、JumP或BK William Studio,雖然TeXound並沒有折損到DJ Victor的身價,許多派對甚至還一場大過一場,但Victor這麼想︰「那時店沒有了之後,我就開始四處接不同的場子,不止在台北,台中,台南,高雄 到處跑,我常常放著放著,就會覺得我最想念的,還是『那一個DJ檯』。」

Vocal、Tribal、Electro、Minimal Techno

「我喜歡的樂風隨著不同時期都有些變化。」早期的House,到minimal techno、deep house,前幾年的tribal-house,最近的electro,…「似乎又有點走回minimal techno的傾向(笑),不過,我覺得不管怎麼放,我都喜歡帶有一些tribal元素的東西。」Victor數著數著,然後補充表示。「我是個會放有 vocal的DJ,因為畢竟我從小就是聽Disco長大的,但這的另一面表示,我也會對vocal的聲音格外的挑剔。」

「我並不排斥流行歌曲的元素加到舞曲內,像Madonna、Whitney Houston她們有些80年代清唱的版本,我有時就會拿回去改一下,加入一些現在我喜歡的electro或tribal的元素。至於國語歌,我曾經混過 林曉培的歌,前一陣子還蠻常用伍佰一首<台灣製造>來放,但因為是dub的版本,只有sample一句,許多人意識到『ㄟ?台語歌?』就過去了。」雖然早 期放流行歌放到失去DJ的樂趣,但他並不會對於流行元素或國台語歌絕對地排斥。

上星期Tom Stephan到台北打碟,他的現場被Victor視為一場很好的典範。「Superchumbo(Tom Stephan)並不是在裝忙,他是以幾近live remix的方式,堆疊曲子和不同元素,從minimal、electro、techno樣樣俱全。」Victor還比劃了一下,暗指有些DJ會裝忙,一 邊還嗨到不行。「但他就真的不一樣,我那天一點多去跳到五點,到現在大腿還在痛!」

信賴老戰友、對新世代的觀察

幾個早年的老戰友,都是他欣賞的台灣DJ,像是@llen和Gravity放的minimal techno,而和他相識20年的老戰友Jimmy Chen也是他很信賴的DJ。「我自己是很喜歡跳舞的人,所以我很害怕突然聽到一首不知道怎麼跳下去的歌要怎辦,Jimmy Chen就是讓我很放心地跳舞的一個DJ。」

音樂市場在唱片工業萎縮地快到讓許多人措手不及,DJ之外是個資深唱片美術設計的Victor感受如人飲水,整個唱片市場從燦爛而頹敗,有了兩次的舞曲混 音唱片出版後,也沒有任何出片計畫。至於年屆20個DJ生涯的他,對於新生代的DJ觀察感想則是,「他們機會真的太少了,缺乏舞台。」電音場大幅萎縮之 際,許多不錯的新生代DJ也因為舞台難尋,對於舞場觀察的敏銳度就比老經驗的DJ弱了些。「我常常會覺得,他們(指新生代的DJ)放的歌都沒什麼問題,問 題出自於他們常常在家裡就把整個歌序準備好,也許舞池裡還沒什麼人在跳,他們一樣照著本來要放的一路放下去,明明場子還很冷,但放的是嗨到不行的舞曲。這 時問題就很大,因為觀望的人沒有暖身的機會,這麼重口味的東西也很難讓人一下子融入。」

1988-2008,,,2008~?

「我到加拿大之後,應該就有更多的時間在音樂上,可能會真正地去把Keyboard的東西學好,如果,能有自己完整的創作作品那是最好。」笑稱短期間內如果沒太大的變故應該無法再回到台灣,為了結婚、取得居留權,以及另一階段的音樂生涯。

「除非,我們很快就離婚。那我就真的會回來了。」Victor還是不改小三八的口氣,說出這段日子以來的舞場物語。


新聞來源╳破報
http://pots.tw/node/4201

文/吳牧青

從早期複合式飲酒娛樂的pub年代、歷經國內首間電子舞場時代、瑞舞草創時期、專業電子舞吧、同志舞吧、大型戶外商業派對,若有讀者參與過其中任何一個場 景,都不會忘記有這麼一號重要的人物。很少有DJ比他還愛跳舞,他可以在放完3小時的set之後還跟下面的舞客一起跳到打烊,頂著一身像是竹竿般好認的身 形,還擁有著無限靈活的關節—我曾經在墾丁看過他表演過沒有手肘般地360度旋轉,只差沒有跳到骨頭散掉。

縱然每年都有兩位數的明星DJ來到台灣,但他還是許多舞客,不分直的彎的雙的都一直信賴的舞場操盤手,如同他對自己的音樂嗅覺的自信,到了一種…你毋須去 討論他到底夠不夠好的程度。出於我的意料,五月中即將離台和加拿大籍男友結婚的他,在DJ生涯20年暫別故鄉的決定,已想了三年。

回憶這樣的決定,部份來自於三年前已經交往三年的男友被美語補習班當作和白道「交易業績」的籌碼,未持有工作證而被強行驅逐出境,「那種行為,就像是條子 在抄舞場啊!」Victor淡淡地說。加拿大對於同志婚姻的進步觀念,遂開始計劃在'08年赴加拿大展開人生另一階段。

「就DJ這個角色來說,在台灣似乎也沒有再讓我能有更好的發展了。無論是DJ本身,或是辦活動當promoter還是主導視覺設計,到亞洲的巡迴也去過大 多數的國家放過了…台灣舞廳的文化目前看來也很難再往上走了,一方面警察的問題,一方面大家還是很喜歡唱KTV啊。」Victor笑笑,說著應該不要在自 己變老才出去闖闖。「我已經做好了準備一切從零開始…至少還算是幸運的是,並不是只有我一個人單打獨鬥。」同時面對移民、結婚、事業歸零的當下, Victor挺自在地小三八說起屬於他才擁有的幸福。

18才 DJ少年初登板

五月初的第一個周末,前身為AXD的JumP舞吧特地為Victor的20年DJ生涯辦了個活動「20/20週年Party」 。而這場活動的另一主角Jimmy Chen也同時是Victor的20年舞場戰友,1988年位在忠孝敦化路口地下室的DAYnNIGHT,就只剩他倆從當時一路DJ到今天。「我還記得那 家是在目前交叉路口鞋店的下面,當時光是那棟地下室就有兩間舞廳和一間酒吧…」Victor生長自一個開明作風的家庭,小時候媽媽會去跳舞,大他好幾歲的 姊姊也從小就聽西洋音樂,其中一個姊姊還兩度和他在舞場不約而同當了同事。


「嚴格說來,我第一次放歌還不是在DAYnNIGHT,是在一間比較小的gay bar,當時我一個DJ朋友臨時生病,那邊的老闆就臨時起義拱我上架,雖然我平常在家已經有練習端盤子接歌,也買了好幾十張黑膠舞曲唱片,但一上台在完全 沒有經驗下,手抖得厲害,連唱針的位置都沒辦法放到準確的點,放十分鐘就被趕下來了。」Victor說起這事還歷歷在目的樣子,不過就在幾個月的歷練下, 經過兩間小店的經歷,就被DAYnNIGHT的一位DJ相中,開始了他正式的DJ生涯。

「場子很奇怪,音響鳥鳥的,
放House必清場,偶有人起來扭個兩下」

雖然當時DAYnNIGHT可說是間重要的舞場,但DJ並不是個自由度很高的工作,放歌的清單都要符合「TOP40」排行榜口味,而自小就迷戀Disco 養份,在80年代House舞曲風起雲湧的當下,Victor頂多偶爾放一些有上排行榜的New Wave或Synth Pop歌曲。(像是Human League、Erasure、New Order、Depeche Mode…等)

「當時不知道為什麼,反正只要一聽到House的節拍,不管有沒有vocal,就會一律清場。…就很邪門,就算你是放當時Top40的House版本舞 曲,也是一樣清場。」Victor所形容的那種情景在今天也許已經很難以看見,但如果放到一些至今國內仍然冷門的舞曲樂種,恐怕還是相去不遠。

「雖然那時候頂多能說是在那邊當『助手』,自由度也很有限,我自己也是靠自己練對拍、接歌的,但他們還是培養了我如何去掌握現場的氣氛,可以慢慢猜到再來 舞客需要的是什麼樣的音樂,這一點到目前都還很重要。」入伍前Victor離開了DAYnNIGHT,跑了一些各式各樣的場子,最怪的場子首推某間啤酒 屋,他形容,「就是間東區巷子裡的店,店裡的一角放了個舞台,有liveband和DJ檯,還有個小舞池,可是通常都不會有人跳舞,頂多聽到他們認識的歌 就起來扭個兩下。」

1993年Victor退伍,跑到了現在30到40歲有過夜生活的人都曉得的雅宴,再度接續放歌生涯。當時雅宴的情況依舊是放熱門流行歌曲,一個晚上會有 十幾首歌平均都會放上兩遍。兩個DJ十點上班待到五點打烊,兩人輪流上陣,在一切都已經疲勞和乏味的精神狀況,Victor辭掉了DJ工作,開始回去做他 所學的美術設計。

再度找回打碟樂趣—Twilight Zone、Underground

中斷的DJ生涯並沒有太久,1995年松江路的Twilight Zone開幕,成為國內第一間專門放送電子舞曲的場子,Victor興奮地到那玩了幾次,和老闆聊一陣後便決定再度回到DJ檯前。「對我來說, Twilight Zone是一個分水嶺,同時也是台灣舞廳文化很重要的分水嶺。DJ @llen比我早到那間店,像他在Spin的時期也面臨類似的問題,必須要在一些搖滾和另類音樂試著偷渡一些電子舞曲,可是他一放就是會清場,會被罵『這 什麼音樂啊?!』」Victor回想。

能確立Victor超過10年的DJ生涯,他細數,除了讓他重返舞台的Twilight Zone,還有隨後同場地另起的一間稍微商業的店,Underground。再來,便是百大DJ橫流台灣前,一些早期瑞舞客團結齊心的Rave年代,雖然 離上次@llen跟我說起他的DJ生涯已經相距兩年,我還是想起@llen那時翻著他電腦裡陳年的party老照片,對某張'97時在內湖碧山巖辦的活動 照,指著那一個另人熟悉卻又感到有點清澀的Victor。

90年代後期,Victor口味由House轉向Techno,Edge時期他的曲風也適時反應了這樣的轉折。

「我最想念的,還是『那一個DJ檯』。」 — TeXound

即使事隔多年,不少活動超過5年的夜貓子仍對TeXound那盞佇立在南京東路三段一角的招牌懷念久久不散,在去年,我曾經在MoS碰過一個攝影師,散場 後到他工作室續攤,那位攝影師放起一張Mix Album,很得意地跟我說︰「這張是TeXound那時候放的音樂!」作為一位TeXound的台柱DJ,他的想法和那些舞客們也很接近。

「到現在,你還是可以想起那個畫面,那間是個不分同志、異性戀、時尚圈、藝人、黑道大哥、貓仔、淑女都可以一起同歡的場地。某一個gay呼起了飯,拿給了 身旁的大哥,然後大哥的女人和樂融融地和另一個gay朋友扭在一起跳舞。」Victor說,不僅如此,他們對音樂的接受度也非常地高,DJ不大需要擔心放 的歌太新或太不流行,許多歌放到第三個禮拜,那首歌就會紅起來。

Tiger、Stone、Gravity、Victor、Jimmy Chen、Vertigo、Blueman先後進入了TeXound打碟,一時之間陣容之堅強也至多只有當時死對頭2F可以匹敵。「大概只有在那個時候, 我們上頭會有『明示』不可以到對手的店放歌,這在其他時期,包括現在都是沒有出現的狀況。因為當時生意很好,大家排班的時間也夠充裕,因此也不會覺得這樣 固樁手法不好。」後來由於藝人藥物事件連番出現,TeXound被迫停業,也因此才有後來的AXD、JumP或BK William Studio,雖然TeXound並沒有折損到DJ Victor的身價,許多派對甚至還一場大過一場,但Victor這麼想︰「那時店沒有了之後,我就開始四處接不同的場子,不止在台北,台中,台南,高雄 到處跑,我常常放著放著,就會覺得我最想念的,還是『那一個DJ檯』。」

Vocal、Tribal、Electro、Minimal Techno

「我喜歡的樂風隨著不同時期都有些變化。」早期的House,到minimal techno、deep house,前幾年的tribal-house,最近的electro,…「似乎又有點走回minimal techno的傾向(笑),不過,我覺得不管怎麼放,我都喜歡帶有一些tribal元素的東西。」Victor數著數著,然後補充表示。「我是個會放有 vocal的DJ,因為畢竟我從小就是聽Disco長大的,但這的另一面表示,我也會對vocal的聲音格外的挑剔。」

「我並不排斥流行歌曲的元素加到舞曲內,像Madonna、Whitney Houston她們有些80年代清唱的版本,我有時就會拿回去改一下,加入一些現在我喜歡的electro或tribal的元素。至於國語歌,我曾經混過 林曉培的歌,前一陣子還蠻常用伍佰一首<台灣製造>來放,但因為是dub的版本,只有sample一句,許多人意識到『ㄟ?台語歌?』就過去了。」雖然早 期放流行歌放到失去DJ的樂趣,但他並不會對於流行元素或國台語歌絕對地排斥。

上星期Tom Stephan到台北打碟,他的現場被Victor視為一場很好的典範。「Superchumbo(Tom Stephan)並不是在裝忙,他是以幾近live remix的方式,堆疊曲子和不同元素,從minimal、electro、techno樣樣俱全。」Victor還比劃了一下,暗指有些DJ會裝忙,一 邊還嗨到不行。「但他就真的不一樣,我那天一點多去跳到五點,到現在大腿還在痛!」

信賴老戰友、對新世代的觀察

幾個早年的老戰友,都是他欣賞的台灣DJ,像是@llen和Gravity放的minimal techno,而和他相識20年的老戰友Jimmy Chen也是他很信賴的DJ。「我自己是很喜歡跳舞的人,所以我很害怕突然聽到一首不知道怎麼跳下去的歌要怎辦,Jimmy Chen就是讓我很放心地跳舞的一個DJ。」

音樂市場在唱片工業萎縮地快到讓許多人措手不及,DJ之外是個資深唱片美術設計的Victor感受如人飲水,整個唱片市場從燦爛而頹敗,有了兩次的舞曲混 音唱片出版後,也沒有任何出片計畫。至於年屆20個DJ生涯的他,對於新生代的DJ觀察感想則是,「他們機會真的太少了,缺乏舞台。」電音場大幅萎縮之 際,許多不錯的新生代DJ也因為舞台難尋,對於舞場觀察的敏銳度就比老經驗的DJ弱了些。「我常常會覺得,他們(指新生代的DJ)放的歌都沒什麼問題,問 題出自於他們常常在家裡就把整個歌序準備好,也許舞池裡還沒什麼人在跳,他們一樣照著本來要放的一路放下去,明明場子還很冷,但放的是嗨到不行的舞曲。這 時問題就很大,因為觀望的人沒有暖身的機會,這麼重口味的東西也很難讓人一下子融入。」

1988-2008,,,2008~?

「我到加拿大之後,應該就有更多的時間在音樂上,可能會真正地去把Keyboard的東西學好,如果,能有自己完整的創作作品那是最好。」笑稱短期間內如果沒太大的變故應該無法再回到台灣,為了結婚、取得居留權,以及另一階段的音樂生涯。

「除非,我們很快就離婚。那我就真的會回來了。」Victor還是不改小三八的口氣,說出這段日子以來的舞場物語。


新聞來源╳破報
http://pots.tw/node/4201

[破] 當吶喊已成往事,歡迎來到墾丁音樂墳場

當吶喊已成往事,歡迎來到墾丁音樂墳場
文/吳牧青

「大家好,我們不是藝人,我們是88顆芭樂籽。」阿強說。
「大家好,我是『藝人』張懸。」她說著,之後又再重複說著。

這是春天吶喊主舞台第一個黃金時段的同台先後喊話,可能各有支持者,更有摸不著頭緒的聽眾。

很難想像,地處熱帶、從四月就入夏的恆春半島,在行將進入第14年的春天吶喊帶頭深耕墾丁的音樂演出後,換來的是一個美好年代的終結。

「集中管理」是行政當局最簡單的理由,從去年開始,墾丁將國家公園內限定三個戶外場地(鵝鑾鼻、貓鼻頭、佳樂水)做為合法申請的音樂祭(節)場所,而地方政府屏東縣一面高喊「緝毒宣言」另一面又期待著大量觀光客湧入而對外宣稱這是一年一度的「墾丁春天音樂祭」。面對唯一提前開跑的「墾丁吶喊春祭主場」(又名台灣嘻哈音樂祭)在首周門可羅雀的鳥樣子,縣府人員還是意氣風發表示「4月4日到6日這一周,所有飯店民宿都滿了,我們很有信心今年依然會有龐大的觀光人潮參與」。

自從2006年開始,每年春假墾丁就至少有6場以上的活動展開,今年除了春吶繼續打著「正宗」老字號之外,2006年吸引破紀錄人潮的春浪音樂節,今年也不想放掉這塊大餅,依然以貓鼻頭做流行搖滾場、另以恆春機場來製作電音派對;moonlight在連著三年搶不下大場地的情況,...今年(又)再度挑戰大尖山露營區,試圖用「不售票,進場買酒即可入場」來闖關;離墾丁大街最近的半露天式活動「放課巧克力」也運用「是pub而非戶外場地」巧妙躲過墾管處的禁區,「SVC停止惡性循環墾丁海洋音樂祭」則把這兩年墾丁熱門的室內館所福華地下室意圖改造成「墾丁大舞池」。亞洲搖滾音樂祭所在地佳樂水風景區,則猶如「食之無味棄之可惜」,但無論是卡司節目都可以預見是最難經營的一場。

上有政策下有對策,商機可見,則處處逢生。地方商家展開雙臂歡迎您。同時年年有搞不清楚狀況的人,淒淒慘慘撈不到油水。

還是些老問題,對站上流行地位的樂團來說,無疑是場豐厚的收入,沒有人會抱持著除了高曝光度而出現有趣的期待,朝聖者朝的是他們心中的舞台明星。電音或嘻哈舞場推出的陳色也了無新意,春浪電音幾乎是老菜回鍋一炒再炒,Andy Moor這位trance的新寵兒或許依然有高人氣,但Gareth Emery、Ronski Speed不但撈錢意圖明顯,他們的現場打碟功力基本上在去年都沒有任何值得再度回味之處;春天吶喊喊的還是「正宗」,面對只有樂團界在乎的喊話,只有一年喊得比一年更無力,略顯可喜之處是他們終於又將獨立/地下樂團放在同一個場地,主舞台也穿插了一些非明星級的演出卡司。然而,建制化的音樂節不是病,而是不停地耗損那些擁有革命情感的樂團們,一年又一年地過去「報名義唱」。我們也相信,春吶變成一個搖滾化身的聖地,免費的義工協助一張又一張上千的門票,是種認同情感和金錢的另類交易。

面對從2002起moonlight起的派對進入,到這兩年下來春浪大手筆的資本競爭,春吶選擇停留在墾丁搏鬥,或許主舞台保留另類或邊緣性格的團是好意一場,但同為創作人,相煎何太急?他們的喊話構成一種點出荒謬體制的對話,表面上看似是主流和另類的衝突,實則點出的是地下和獨立被濫用的機制。

春天吶喊原來今年打算停辦,因為去年和春浪惡性拼場的舉動搞得心灰意冷。無奈的是,春天不是墾丁的專利,當音樂被地方勢力做為商業活動綁架的籌碼,春天吶喊就只能一年一年的在墾丁載浮載沉。誠心建議Jimi和Wade可以調查一下在主舞台以外的觀眾,有多少比例是樂團們和其親友,多少人因為春吶愛上了一些原本沒聽過的樂團。

可以肯定的是,墾丁的特產就是春天一波又一波以音樂為名目觀光的人潮,未來都難以改變,也難以再度帶領著音樂向前推進。春天吶喊在墾丁,唯一的聯結便是適逢每年的清明節「慎終追遠」。屬於墾丁的春吶世代早已草草收場,當然,它過去的歷史定位不容抹滅,但在未來,它並定是早年春吶熱愛者憑弔的好地方。

新聞來源╳破報
http://pots.tw/node/4086
當吶喊已成往事,歡迎來到墾丁音樂墳場
文/吳牧青

「大家好,我們不是藝人,我們是88顆芭樂籽。」阿強說。
「大家好,我是『藝人』張懸。」她說著,之後又再重複說著。

這是春天吶喊主舞台第一個黃金時段的同台先後喊話,可能各有支持者,更有摸不著頭緒的聽眾。

很難想像,地處熱帶、從四月就入夏的恆春半島,在行將進入第14年的春天吶喊帶頭深耕墾丁的音樂演出後,換來的是一個美好年代的終結。

「集中管理」是行政當局最簡單的理由,從去年開始,墾丁將國家公園內限定三個戶外場地(鵝鑾鼻、貓鼻頭、佳樂水)做為合法申請的音樂祭(節)場所,而地方政府屏東縣一面高喊「緝毒宣言」另一面又期待著大量觀光客湧入而對外宣稱這是一年一度的「墾丁春天音樂祭」。面對唯一提前開跑的「墾丁吶喊春祭主場」(又名台灣嘻哈音樂祭)在首周門可羅雀的鳥樣子,縣府人員還是意氣風發表示「4月4日到6日這一周,所有飯店民宿都滿了,我們很有信心今年依然會有龐大的觀光人潮參與」。

自從2006年開始,每年春假墾丁就至少有6場以上的活動展開,今年除了春吶繼續打著「正宗」老字號之外,2006年吸引破紀錄人潮的春浪音樂節,今年也不想放掉這塊大餅,依然以貓鼻頭做流行搖滾場、另以恆春機場來製作電音派對;moonlight在連著三年搶不下大場地的情況,...今年(又)再度挑戰大尖山露營區,試圖用「不售票,進場買酒即可入場」來闖關;離墾丁大街最近的半露天式活動「放課巧克力」也運用「是pub而非戶外場地」巧妙躲過墾管處的禁區,「SVC停止惡性循環墾丁海洋音樂祭」則把這兩年墾丁熱門的室內館所福華地下室意圖改造成「墾丁大舞池」。亞洲搖滾音樂祭所在地佳樂水風景區,則猶如「食之無味棄之可惜」,但無論是卡司節目都可以預見是最難經營的一場。

上有政策下有對策,商機可見,則處處逢生。地方商家展開雙臂歡迎您。同時年年有搞不清楚狀況的人,淒淒慘慘撈不到油水。

還是些老問題,對站上流行地位的樂團來說,無疑是場豐厚的收入,沒有人會抱持著除了高曝光度而出現有趣的期待,朝聖者朝的是他們心中的舞台明星。電音或嘻哈舞場推出的陳色也了無新意,春浪電音幾乎是老菜回鍋一炒再炒,Andy Moor這位trance的新寵兒或許依然有高人氣,但Gareth Emery、Ronski Speed不但撈錢意圖明顯,他們的現場打碟功力基本上在去年都沒有任何值得再度回味之處;春天吶喊喊的還是「正宗」,面對只有樂團界在乎的喊話,只有一年喊得比一年更無力,略顯可喜之處是他們終於又將獨立/地下樂團放在同一個場地,主舞台也穿插了一些非明星級的演出卡司。然而,建制化的音樂節不是病,而是不停地耗損那些擁有革命情感的樂團們,一年又一年地過去「報名義唱」。我們也相信,春吶變成一個搖滾化身的聖地,免費的義工協助一張又一張上千的門票,是種認同情感和金錢的另類交易。

面對從2002起moonlight起的派對進入,到這兩年下來春浪大手筆的資本競爭,春吶選擇停留在墾丁搏鬥,或許主舞台保留另類或邊緣性格的團是好意一場,但同為創作人,相煎何太急?他們的喊話構成一種點出荒謬體制的對話,表面上看似是主流和另類的衝突,實則點出的是地下和獨立被濫用的機制。

春天吶喊原來今年打算停辦,因為去年和春浪惡性拼場的舉動搞得心灰意冷。無奈的是,春天不是墾丁的專利,當音樂被地方勢力做為商業活動綁架的籌碼,春天吶喊就只能一年一年的在墾丁載浮載沉。誠心建議Jimi和Wade可以調查一下在主舞台以外的觀眾,有多少比例是樂團們和其親友,多少人因為春吶愛上了一些原本沒聽過的樂團。

可以肯定的是,墾丁的特產就是春天一波又一波以音樂為名目觀光的人潮,未來都難以改變,也難以再度帶領著音樂向前推進。春天吶喊在墾丁,唯一的聯結便是適逢每年的清明節「慎終追遠」。屬於墾丁的春吶世代早已草草收場,當然,它過去的歷史定位不容抹滅,但在未來,它並定是早年春吶熱愛者憑弔的好地方。

新聞來源╳破報
http://pots.tw/node/4086

[破] 地下陽光,赤黑花朵︰ 《等待藥頭》

文/ouch

書名︰ 等待藥頭 —流行音樂與藥物的歷史
(Waiting for the Man—︰The Story of Drugs and Popular Music)
作者︰ 哈利.夏畢洛(Harry Shapiro)
譯者︰ 李佳純
出版︰ 商周

我們,對我們,泛指每個曾經用藥、熱衷用藥、反對用藥、肅清的秩序控制者們,其實無權也無能在簡單的單一社會事件去看待這些事情,給予一個直觀而簡潔的答案。

前些日子喧騰一時的藝人大麻案,一個一個入獄,能理解什麼?藝術世家之子做為一個台北大藥頭而落網,能理解什麼?或許音樂圈內人還聽聞過一個幾近靈異驚聳 的陳年故事,某個DJ曾經在市民大道四段74號4樓的住處(因地址過於陰森而被傳為陰宅),一次注射五格的四號仔而OD身亡,那又算什麼?或許更多人不在 意的是,搖頭丸盛行的五六年前,飆車族西瓜刀砍人事件突然消聲匿跡;從來沒有人在意酗酒身亡或酒精中毒奪走幾條生命。


去年在墾丁,巧遇一位蘋果的攝影記者,她表示上面「交待」要多拍點有爆點的畫面,她很苦惱,該不該自己去製造一些針頭、藥袋、丸子與粉末的鏡頭?

藥與樂,悅與樂,越與樂,在中文字音字型上如如此接近,但是要處理藥物政治和其涵蓋的音樂,已是種交錯內外的友善與敵意對話的困難。然哈利.夏畢洛清楚地拿捏出一套深刻的介入方法,而精巧的思路和篇章並不意味著作者意欲凌駕在宏構的音樂藥物事件。

說起藥物和學院以外的音樂世界關係,它不可能總以纏綿悱惻的精神狀態常存於不世的音樂天才和激發出神忘我的傑作,更無法簡言以蔽之權力與反權力的社會心理 樣貌。說它是一本數不完的爛帳上頭塗滿出竅時多采的抗命史,或許可以,但要如此同時緊扣住藥物世界和音樂圈不同史觀脈絡的敘事法,此書倒是罕見而特別。

當藥物的使用要跨越不同音樂流派和歷史脈絡,常教人挪用某些流於特定意識而操作的「創作神話」或是某種同化崇尚與反制的兩面觀點辯證。在藥物與音樂圈的世 界裡,即便將迷幻(psychedelic)、垮派世代(beat generation)或是後龐克與瑞舞年代興起的場景劃下一道難以切分的「藥物演進史」,不論是創作核心的各派音樂人,為藥物感官而創作,它同時存在著 一種置身外於社會的拼?再現(bricolage)輿論價值。這意即,無論是反藥物的警察社會、中性觀點的藥物議題文字工作者樂評人、鼓吹藥物合法化的基 進運動者,都只是在意圖提升辯論層級以重建新的藥史論述。即便他們嗅出了新的藥物場景風尚,都不過是在追趕一些史料和音樂事件與創作文本的補述。

與其說《等待藥頭》是篇音樂人物用藥的百年抗暴史,倒不如說此書對於糾葛的藥物音樂人轉換於藥頭和使用者之間描繪,本身就足以犛清它足以跨越商品與法律的 對話,它甚至巨觀地勾勒出—藥物在不同樂派、藥派的互文性。藥物政治的矛盾情節,出現在每個藥物潮流的交替時期,無論是鴉片到大麻、禁酒令時期的藥物檯面 化、安非他命到LSD、海洛因到古柯鹼、快克和MDMA、到E與K他命,藥物在地下文化之所以被形容成一種「抗暴形式」,不如說那標語式的「愛與和平」, 早在不同藥物擁護者之間引發了鬥爭形式。

樂派與藥派的互文性(Intertexuality),長期以來在多數的音樂文字工者建立在單向的「藥物詮釋音樂」,做為一種「藥物為音樂服務」的假想; 然而從雷鬼(reggae)到trip-hop、downbeat之於舒緩性藥物(如大麻)或是老迷幻樂種到新迷幻音樂為麻醉系藥物(從嗎啡到海洛因和K 他命),以及龐克、工業到瑞舞相對於興奮劑藥物(安非他命、古柯鹼到快樂丸),自私的尋求肉體精神到放逐的心理狀態,《等待藥頭》所重構的依舊偏向前者的 單向關係。這或許便是此書命題上的困難點,某種程度上這種交錯的文本關係,也暗示著透過藥物鏈結的音樂生態出發,另一種「音樂詮釋藥物」的出發點,恐怕不 是(音樂)作者論或是作品論就可以邁向一種更完整的表述。

若我們從更基進的觀點來看,一個世紀以來,藥物不僅是消化、排泄和迷幻的短暫放逐,她像是個跳過信仰—理想主義、上帝與諸神、權力的集體崇拜或無政府的個人自由主義,那一盞幽暗的燈光,瓦解人類文明的假象。

藥物之所以讓一代又一代的音樂人不斷將它置為肅然起敬的話題,不在於它引渡了傳奇樂手的死亡或自毀、更不在於又有什麼樣的不世天才靠著它讓作品降服全世 界、也不用提那種作為「認同符號」的次文化異境的渲染品還是那般「永恆的地下交易」的秩序社會秘密。藥物之所以會成為地下烏托邦的想像,便在於人在死亡 前,共同挖掘那異於世事規則的可能性。

新聞來源╳破報
http://pots.tw/node/4085

文/ouch

書名︰ 等待藥頭 —流行音樂與藥物的歷史
(Waiting for the Man—︰The Story of Drugs and Popular Music)
作者︰ 哈利.夏畢洛(Harry Shapiro)
譯者︰ 李佳純
出版︰ 商周

我們,對我們,泛指每個曾經用藥、熱衷用藥、反對用藥、肅清的秩序控制者們,其實無權也無能在簡單的單一社會事件去看待這些事情,給予一個直觀而簡潔的答案。

前些日子喧騰一時的藝人大麻案,一個一個入獄,能理解什麼?藝術世家之子做為一個台北大藥頭而落網,能理解什麼?或許音樂圈內人還聽聞過一個幾近靈異驚聳 的陳年故事,某個DJ曾經在市民大道四段74號4樓的住處(因地址過於陰森而被傳為陰宅),一次注射五格的四號仔而OD身亡,那又算什麼?或許更多人不在 意的是,搖頭丸盛行的五六年前,飆車族西瓜刀砍人事件突然消聲匿跡;從來沒有人在意酗酒身亡或酒精中毒奪走幾條生命。


去年在墾丁,巧遇一位蘋果的攝影記者,她表示上面「交待」要多拍點有爆點的畫面,她很苦惱,該不該自己去製造一些針頭、藥袋、丸子與粉末的鏡頭?

藥與樂,悅與樂,越與樂,在中文字音字型上如如此接近,但是要處理藥物政治和其涵蓋的音樂,已是種交錯內外的友善與敵意對話的困難。然哈利.夏畢洛清楚地拿捏出一套深刻的介入方法,而精巧的思路和篇章並不意味著作者意欲凌駕在宏構的音樂藥物事件。

說起藥物和學院以外的音樂世界關係,它不可能總以纏綿悱惻的精神狀態常存於不世的音樂天才和激發出神忘我的傑作,更無法簡言以蔽之權力與反權力的社會心理 樣貌。說它是一本數不完的爛帳上頭塗滿出竅時多采的抗命史,或許可以,但要如此同時緊扣住藥物世界和音樂圈不同史觀脈絡的敘事法,此書倒是罕見而特別。

當藥物的使用要跨越不同音樂流派和歷史脈絡,常教人挪用某些流於特定意識而操作的「創作神話」或是某種同化崇尚與反制的兩面觀點辯證。在藥物與音樂圈的世 界裡,即便將迷幻(psychedelic)、垮派世代(beat generation)或是後龐克與瑞舞年代興起的場景劃下一道難以切分的「藥物演進史」,不論是創作核心的各派音樂人,為藥物感官而創作,它同時存在著 一種置身外於社會的拼?再現(bricolage)輿論價值。這意即,無論是反藥物的警察社會、中性觀點的藥物議題文字工作者樂評人、鼓吹藥物合法化的基 進運動者,都只是在意圖提升辯論層級以重建新的藥史論述。即便他們嗅出了新的藥物場景風尚,都不過是在追趕一些史料和音樂事件與創作文本的補述。

與其說《等待藥頭》是篇音樂人物用藥的百年抗暴史,倒不如說此書對於糾葛的藥物音樂人轉換於藥頭和使用者之間描繪,本身就足以犛清它足以跨越商品與法律的 對話,它甚至巨觀地勾勒出—藥物在不同樂派、藥派的互文性。藥物政治的矛盾情節,出現在每個藥物潮流的交替時期,無論是鴉片到大麻、禁酒令時期的藥物檯面 化、安非他命到LSD、海洛因到古柯鹼、快克和MDMA、到E與K他命,藥物在地下文化之所以被形容成一種「抗暴形式」,不如說那標語式的「愛與和平」, 早在不同藥物擁護者之間引發了鬥爭形式。

樂派與藥派的互文性(Intertexuality),長期以來在多數的音樂文字工者建立在單向的「藥物詮釋音樂」,做為一種「藥物為音樂服務」的假想; 然而從雷鬼(reggae)到trip-hop、downbeat之於舒緩性藥物(如大麻)或是老迷幻樂種到新迷幻音樂為麻醉系藥物(從嗎啡到海洛因和K 他命),以及龐克、工業到瑞舞相對於興奮劑藥物(安非他命、古柯鹼到快樂丸),自私的尋求肉體精神到放逐的心理狀態,《等待藥頭》所重構的依舊偏向前者的 單向關係。這或許便是此書命題上的困難點,某種程度上這種交錯的文本關係,也暗示著透過藥物鏈結的音樂生態出發,另一種「音樂詮釋藥物」的出發點,恐怕不 是(音樂)作者論或是作品論就可以邁向一種更完整的表述。

若我們從更基進的觀點來看,一個世紀以來,藥物不僅是消化、排泄和迷幻的短暫放逐,她像是個跳過信仰—理想主義、上帝與諸神、權力的集體崇拜或無政府的個人自由主義,那一盞幽暗的燈光,瓦解人類文明的假象。

藥物之所以讓一代又一代的音樂人不斷將它置為肅然起敬的話題,不在於它引渡了傳奇樂手的死亡或自毀、更不在於又有什麼樣的不世天才靠著它讓作品降服全世 界、也不用提那種作為「認同符號」的次文化異境的渲染品還是那般「永恆的地下交易」的秩序社會秘密。藥物之所以會成為地下烏托邦的想像,便在於人在死亡 前,共同挖掘那異於世事規則的可能性。

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墾丁不夠看,夜夜吶喊蘇美島 - 背包客電音族的最新朝聖天堂

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墾丁不夠看,夜夜吶喊蘇美島
【新新聞】第1095期 比利 2008-02-27

一直以來由曼谷航空(Bangkok Airways)獨占的泰國蘇美島(Koh Samui)航線近期加入了泰國航空(Thai Airways)的每日兩個班次,由於供給面的增加,飛往蘇美島的價格也確實有了些微幅調降,再加上泰國觀光局看準它獨特魅力而大力推廣,可以預見蘇美島會是新一波泰國的旅遊盛地。
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二十多年前我曾以背包客的方式旅行至蘇美島,當時的交通往返尚必須藉由夜班火車或長途巴士至泰南大城Surathani再轉乘三小時的渡輪至島上西岸的碼頭,以開銷為考量,至今這條路線仍是背包族的最愛。當時島上的住宿祇有一種選擇,那就是夜間不供應電的民宿。我與同行的朋友在島上騎著租來的摩托車不僅環島也深入幾個島上的瀑布及雨林區,有種冒險的快意。最近再訪蘇美島,發現除了便利,甚至連旅遊內容也與以往全然不同。

蘇美島機場是座由曼谷航空經營、無圍欄的開放式機場,由於沒有航廈,更沒有天橋,飛機在機坪停妥後乘客都必須由充滿度假風情、非緊閉式的接駁車載運。確實,渡假的氛圍在落地的那一刻就可以感受。也因為機場在島上東北角的緣故,島上東岸的查文(Chaweng)、拉邁(Lamai)及北岸的邁南(Maenum)等區成為開發最成熟的區域。其中由以查文區為最,度假旅店、餐廳、商場、酒吧、各類旅遊服務中心在查文區無一或缺,但要是害怕喧囂,或許要避開查文區。

隨著蘇美島的知名度與便利性日增,近來島上發展出一些特別的養生療程的旅遊,我的朋友就曾參加了一個斷食(fasting)療程。數日間的過程中,有專業醫療人員提供諮詢、冥想與打坐的課程,並適時的供給需要的水分及營養,但確實得斷食數餐,據說能排除體內毒素與調理腸胃,我因害怕飢餓沒敢參加,但仍然享受了其他SPA療程。

在台灣墾丁,每年春天有一次「吶喊」,在蘇美島則近乎是夜夜吶喊。每天靠著穿梭的宣傳車大聲地預告著每晚在不同的海灣或沙灘舉辦的派對。其中最負盛名,是背包客的最愛、更是電音族的朝聖天堂,當屬在另一個小島帕安島(Koh Phangan)舉辦的滿月派對(Full Moon Party)。顧名思義,滿月派對多選在滿月之夜舉辦。若是沒能遇上,其實藉著在島上的諸多派對也能稍補遺憾。我在蘇美島時並非滿月之日,但依然參加了一夜在北岸Tongsai Bay舉辦的派對。子夜時分,接駁車將我們接往舉辦的會場。會場完全是大海為屏、星空為幕,在沙灘上插滿了彩色的幡旗,加上一些火把做為照明,視覺上極為強烈。音樂一區是各種混音過的電音,高度的重低音,適合想要狂放舞動身體的人;另一區則放著懶散的沙發音樂(lounge music),適合祇想啜飲小酒,微醺望著星空、吹著海風的人。雖然沙灘上設有許多收費的躺椅,但多數人還是選擇任意坐臥在沙灘或灘邊岩石上。這樣的小型派對都有近千人參加,可以想見滿月派對的盛況。我自己也期待著下一次滿月時分再訪蘇美島。


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【新新聞】第1095期 比利 2008-02-27

一直以來由曼谷航空(Bangkok Airways)獨占的泰國蘇美島(Koh Samui)航線近期加入了泰國航空(Thai Airways)的每日兩個班次,由於供給面的增加,飛往蘇美島的價格也確實有了些微幅調降,再加上泰國觀光局看準它獨特魅力而大力推廣,可以預見蘇美島會是新一波泰國的旅遊盛地。
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二十多年前我曾以背包客的方式旅行至蘇美島,當時的交通往返尚必須藉由夜班火車或長途巴士至泰南大城Surathani再轉乘三小時的渡輪至島上西岸的碼頭,以開銷為考量,至今這條路線仍是背包族的最愛。當時島上的住宿祇有一種選擇,那就是夜間不供應電的民宿。我與同行的朋友在島上騎著租來的摩托車不僅環島也深入幾個島上的瀑布及雨林區,有種冒險的快意。最近再訪蘇美島,發現除了便利,甚至連旅遊內容也與以往全然不同。

蘇美島機場是座由曼谷航空經營、無圍欄的開放式機場,由於沒有航廈,更沒有天橋,飛機在機坪停妥後乘客都必須由充滿度假風情、非緊閉式的接駁車載運。確實,渡假的氛圍在落地的那一刻就可以感受。也因為機場在島上東北角的緣故,島上東岸的查文(Chaweng)、拉邁(Lamai)及北岸的邁南(Maenum)等區成為開發最成熟的區域。其中由以查文區為最,度假旅店、餐廳、商場、酒吧、各類旅遊服務中心在查文區無一或缺,但要是害怕喧囂,或許要避開查文區。

隨著蘇美島的知名度與便利性日增,近來島上發展出一些特別的養生療程的旅遊,我的朋友就曾參加了一個斷食(fasting)療程。數日間的過程中,有專業醫療人員提供諮詢、冥想與打坐的課程,並適時的供給需要的水分及營養,但確實得斷食數餐,據說能排除體內毒素與調理腸胃,我因害怕飢餓沒敢參加,但仍然享受了其他SPA療程。

在台灣墾丁,每年春天有一次「吶喊」,在蘇美島則近乎是夜夜吶喊。每天靠著穿梭的宣傳車大聲地預告著每晚在不同的海灣或沙灘舉辦的派對。其中最負盛名,是背包客的最愛、更是電音族的朝聖天堂,當屬在另一個小島帕安島(Koh Phangan)舉辦的滿月派對(Full Moon Party)。顧名思義,滿月派對多選在滿月之夜舉辦。若是沒能遇上,其實藉著在島上的諸多派對也能稍補遺憾。我在蘇美島時並非滿月之日,但依然參加了一夜在北岸Tongsai Bay舉辦的派對。子夜時分,接駁車將我們接往舉辦的會場。會場完全是大海為屏、星空為幕,在沙灘上插滿了彩色的幡旗,加上一些火把做為照明,視覺上極為強烈。音樂一區是各種混音過的電音,高度的重低音,適合想要狂放舞動身體的人;另一區則放著懶散的沙發音樂(lounge music),適合祇想啜飲小酒,微醺望著星空、吹著海風的人。雖然沙灘上設有許多收費的躺椅,但多數人還是選擇任意坐臥在沙灘或灘邊岩石上。這樣的小型派對都有近千人參加,可以想見滿月派對的盛況。我自己也期待著下一次滿月時分再訪蘇美島。


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